tag:blogger.com,1999:blog-34917297225247759072024-03-19T13:58:17.501+01:00novo criticoElvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.comBlogger81125tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-51597832825664939582015-06-05T16:46:00.000+02:002015-06-05T16:46:59.435+02:00NONO APPUNTAMENTO: IL VIDEO INTEGRALE<span style="font-size: large;"><b>Ambra Senatore - Materiali sparsi per una nuova creazione</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b>e incontro con Rodolfo Sacchettini</b></span><br />
<b>12 novembre 2010 - video integrale</b><br />
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video di <a href="http://klpteatro.it/">klpteatro.it</a>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-54458582420782279552015-04-27T16:13:00.000+02:002015-04-27T16:13:45.499+02:00OTTAVO APPUNTAMENTO : IL VIDEO INTEGRALE<span style="font-size: large;"><b>Daria Deflorian - Reality </b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b>e incontro con Katia Ippaso</b></span><br />
<b>10 novembre 2010 - video integrale</b><br />
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video di <a href="http://klpteatro.it/">klpteatro.it</a>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-40814079240548791272013-03-06T21:54:00.000+01:002013-03-06T21:54:45.630+01:00SETTIMO APPUNTAMENTO : IL VIDEO INTEGRALE<span style="font-size: large;"><b>Silvia Garbuggino e Gaetano Ventriglia - Estratti dostoevskijani</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b>e incontro con Simone Pacini</b></span><br />
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<b>5 novembre 2010 - video integrale</b><br />
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video di <a href="http://klpteatro.it/">klpteatro.it</a>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-40471362351421766532012-12-31T15:26:00.000+01:002012-12-31T15:26:29.179+01:00SESTO APPUNTAMENTO : IL VIDEO INTEGRALE<span style="font-size: large;"><b>Teatro Forsennato - Studio per un manicomio</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b>e incontro con Florinda Nardi</b></span><br />
<b>3 novembre 2010 - video integrale</b><br />
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video di <a href="http://klpteatro.it/">klpteatro.it</a>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-38818521623245014692011-08-22T17:09:00.000+02:002011-08-22T17:09:32.861+02:00QUINTO APPUNTAMENTO: IL VIDEO INTEGRALE<span style="font-size: large;"><b>Elvira Frosini /Kataklisma </b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b>primo studio per DIGERSELTZ</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b>e incontro con Massimo Marino</b></span><br />
<b>29 ottobre 2010 - video integrale</b><br />
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<object height="300" width="400"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/rc_S7ghz3lw?fs=1&hl=it_IT"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/rc_S7ghz3lw?fs=1&hl=it_IT" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="400" height="300"></embed></object><br />
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video di <a href="http://klpteatro.it/">klpteatro.it</a>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-54184340205449690262011-08-03T12:02:00.000+02:002011-08-03T12:02:35.184+02:00RASSEGNA STAMPA - PRIMO INCONTRO<h2 class="contentheading"><span style="font-size: x-small;"><b><a href="http://klpteatro.it/"><b>KLPTEATRO.IT</b></a></b></span> </h2><h2 class="contentheading">Novo Critico 2010. Chi è di scena per Daniele Timpano e Nicola Viesti </h2><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.klpteatro.it/images/stories/2010/daniele-timpano.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img align="left" alt="Daniele Timpano" border="0" class="caption" height="290" src="http://www.klpteatro.it/images/stories/2010/daniele-timpano.jpg" title="Daniele Timpano" width="290" /></a></div><br />
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<div style="text-align: justify;">Ci siamo. Dopo due anni di fermo, la serie di incontri che nel 2008 aveva portato il nome di <b>Uovo Critico</b>, torna sul palco romano di Kataklisma con il nome, nuovo appunto, di <a href="http://www.novocritico.blogspot.com/" rel="nofollow" target="_blank"><b>Novo Critico</b></a>. Un secondo tentativo, che si spera raggiunga e superi il successo riscosso dalla precedente edizione. Una delle poche arene in cui, in questo momento delicato per l’intero ambiente teatrale, le tre belve che lo compongono (artisti, critica e pubblico) hanno occasione di fronteggiarsi e, potenzialmente, sbranarsi. Questo è, in due parole, l’evento che KLP seguirà come media partner fino al 3 dicembre.<b> </b>Tutti i video e il materiale prodotto verranno pubblicati nella nuova sezione Partnership. Alla conferenza stampa di presentazione del 6 ottobre al Nuovo Teatro Colosseo, a “casa” del grande <b>Simone Carella</b>, erano presenti gli organizzatori, alcuni artisti e critici in programma, la nostra telecamera e i pochi giornalisti che hanno deciso (chissà poi se inviati o mossi da un buffo senso del dovere autonomo) di registrare il passaggio di questo tentativo. Perché di questo si tratta, di un tentativo, un esercizio, ancora prima che di un esperimento. <br />
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Il titolo dello spettacolo di cui <b>Andrea Cosentino</b> presenterà il 15 ottobre qualche passo è “Esercizi di rianimazione”. La critica <b>Katia Ippaso</b> in conferenza stampa ha colto l’occasione per fare di quel titolo un sottotitolo di Novo Critico stesso. Questo vorrà essere un “esercizio di rianimazione”, rivolto alla critica e al suo rapporto (in via d’estinzione) con pubblico e artisti.<br />
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<b>Daniele Timpano</b> ha aperto le danze incontrando <b>Nicola Viesti.</b> L'uno è attore/autore iconoclasta e grottesco (tra i suoi lavori “Ecce Robot”, “Dux in scatola”, “Risorgimento Pop”); critico del Corriere del Mezzogiorno, Hystrio e Eolo l’altro. È durata quasi mezz’ora la presentazione in forma di studio del nuovo lavoro di Timpano “Aldo Morto”, racconto del sequestro <b>Moro</b> a partire dalla persona più che dalla leggenda. Sempre senza pietismi, piuttosto alla ricerca di una terza via che si insinui tra il vero e il verosimile. In pieno stile Timpano è l’attacco a un personaggio che, stavolta, è davvero acquattato nell’immaginario di tutti, più mito che uomo, più oggetto della cultura pop che simbolo della storia italiana.<br />
C’è stato fin troppo entusiasmo (qualche discussione) tra il pubblico, stretto all’angolo dal fuoco dell’attacco cattivo di Timpano, con Viesti a far quasi da paciere, alla ricerca, tutti quanti (artista, critico e pubblico) di punti di riferimento per far procedere il lavoro. Non senza frecciatine, fraintendimenti e qualche malinconia.</div><br />
<b>Sergio Lo Gatto</b><br />
<b>11 ottobre 2010</b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-17004435517569781482011-07-06T12:38:00.000+02:002011-07-06T12:38:37.918+02:00RASSEGNA STAMPA<h2 class="title" style="font-weight: normal;"><b><a href="http://www.teatroecritica.it/">TEATRO E CRITICA</a></b></h2><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjr6g7vxO9dfovhIcUFTbz-MnUSwzywTWQBvC1PohMPTiQymO18nmnZemqJeJjrpuT__lIBB8hWZHy8hCE38DBDqelOhKHaVMmwnpCqVIGB_EV2YTZT4rJT8AAQPN8x_uMJfcSD-TfHA4/s1600/logoTEATRO+E+CRITICA.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjr6g7vxO9dfovhIcUFTbz-MnUSwzywTWQBvC1PohMPTiQymO18nmnZemqJeJjrpuT__lIBB8hWZHy8hCE38DBDqelOhKHaVMmwnpCqVIGB_EV2YTZT4rJT8AAQPN8x_uMJfcSD-TfHA4/s1600/logoTEATRO+E+CRITICA.png" /></a></div><h2 class="title">La rianimazione di Novo Critico: dieci appuntamenti con la scena contemporanea<ins style="border: medium none; height: 60px; margin: 0pt; padding: 0pt; position: relative; visibility: visible; width: 468px;"></ins> </h2><div style="text-align: justify;">L’incontro. C’è questa parola alla base dell’interessante progetto <b>Novo Critico</b>, giunto alla seconda edizione ma saltandone una, lo scorso anno, per manifesta impossibilità finanziaria. <b>Elvira Frosini</b>, fondatrice dello spazio Kataklisma e l’omonima compagnia di teatro-danza, quest’anno ce l’ha fatta, con l’aiuto dell’amministrazione: dieci appuntamenti in cui alcune compagnie del panorama contemporaneo si confronteranno con pubblico e un critico, un vicino di sedia direi, una guida attraverso lo scambio degli occhi: quelli dell’artista e quelli di chi guarda, un compagno di strada attraverso quel tortuoso percorso che è la creazione.</div><div style="text-align: justify;">Gli appuntamenti saranno in questa autunnata che a Roma tarda ad arrivare, fino all’inverno prima che si passi l’anno 2010. Dall’8 ottobre al 3 dicembre quindi, si comincia questo venerdì 8 ottobre alle 21 con <b>Daniele Timpano</b>, che presenterà 15 minuti del suo nuovo progetto in fieri: <i>Aldo Morto</i>, un nome un programma, accompagnato alla visione-creazione da Nicola Viesti, e da tutti coloro che vorranno recarsi allo spazio del Pigneto, nato in questo quartiere quando ancora non c’era nessuno a ricordarsene il nome. Si continuerà con programma irregolare fino a dicembre, con<b> Kataklisma</b>, <b>Cosentino</b>, <b>Teatro Forsennato</b>, <b>Santasangre</b>, <b>Daria Deflorian</b>, <b>Ambra Senatore</b>, <b>Accademia degli Artefatti</b>, <b>Malasemenza</b>, <b>Alessandra Sini</b>, tanti artisti, tanti amici: eh sì, perché se vogliamo trovare qualcosa a questo programma, è proprio questo: ma possibile che sembra il giochino “unisci i puntini” della Settimana Enigmistica? Dove c’è Timpano c’è Cosentino ecc. ecc. Ma insomma, meglio averli che non averli, di sicuro. L’intero percorso, che vedrà la collaborazione delle prime due università di Roma: La Sapienza e Tor Vergata, con Roberto Ciancarelli e Donatella Orecchia, sarà seguito da un laboratorio degli studenti di queste università, che offriranno anche alcuni spazi per gli incontri. Tra i critici ci sarà Claudia Cannella, Giulio Latini, Katia Ippaso, Rossella Battisti, Florinda Nardi, Massimo Marino, Rodolfo Sacchettini, Andrea Porcheddu, Simone Pacini; in più Roberto Ciancarelli curerà un deposito critico, assieme a Paolo Ruffini, ma ci sarà anche una officina critica condotta da Attilio Scarpellini e forse altri critici della città teatrale. Ci sarà anche la tv, per una volta, anzi due: infatti media partner saranno i nostri colleghi di KLP che avranno in video tutti gli incontri sulla rivista e E-Theatre che invece permetterà di vederli in streaming.</div><div style="text-align: justify;">Tra le parole pronunciate questa mattina in conferenza stampa, quella più giusta l’ha detta Katia Ippaso, traendola dal titolo dello spettacolo di Cosentino: <i>“questo è davvero un esercizio di rianimazione…”</i>, intendendo che unire forze e farne un valore potrà e dovrà essere determinante. E poi una frase senza pretese, più di altre, detta da Timpano: <i>“tra le altre cose”</i>, per dire delle tante attività di ognuno, della bellezza della compromissione, una frase che così vuol dire poco, ma si unisce sempre a un contesto. Qui il contesto è di tutto rispetto e me ne attendo ottime cose, perché l’incontro è sovrano di ogni nascita, di ogni nuova appartenenza, ma come tenere a bada il rischio di confusione? Perché è vero che dal caos nasce l’ordine, ma l’epoca moderna ci ha insegnato anche che senza l’ordine a volte a regnare è proprio il caos. Ma tanto basta: la connessione è fermento, c’è voglia e bisogno dell’incontro, e allora che ci si incontri in così tanti, e magari ci si scontri pure, l’importante è che non si crei quel che ripeteva di continuo mia nonna:<i> “co’troppi galli a cantà nun se fa mai giorno”</i>, intendendo dire che, nella malaugurata ipotesi che troppi piumati della stessa specie siano nello stesso giardino, con il compito di svegliare un’intera popolazione di spettatori, c’è il rischio fondato che si resti tutti nel letto di una straordinaria dormita collettiva. Ma per Novo Critico non sarà così, pertanto giù dal letto, tutti in piedi per gli esercizi di rianimazione di un nuovo splendido primo mattino.</div><br />
<b>Simone Nebbia</b><br />
<b>7 ottobre 2010 </b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-3346130241836485062011-05-28T16:57:00.000+02:002011-05-28T16:57:07.783+02:00RASSEGNA STAMPA<a href="http://klpteatro.it/"><b>KLPTEATRO.IT</b></a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7rUMrOT_Tcd2y15IbLEHLuK8hS1EKSytvbWeGWEiXIbfZ-bCkiBdDzdmH0ZxKhvONeo0hlUGuatp-srzfhzKv1_Zl82cIYhGE8JsHg1DHkob8jt784OF104MJ5dGJGsWzY3JlRsOd1lc/s1600/KLP+k1000x1000.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7rUMrOT_Tcd2y15IbLEHLuK8hS1EKSytvbWeGWEiXIbfZ-bCkiBdDzdmH0ZxKhvONeo0hlUGuatp-srzfhzKv1_Zl82cIYhGE8JsHg1DHkob8jt784OF104MJ5dGJGsWzY3JlRsOd1lc/s1600/KLP+k1000x1000.jpg" /></a></div><h2 class="contentheading">Novo Critico 2010. Quando critica, pubblico e artisti lavorano insieme </h2><br />
<div style="text-align: justify;">Guai a chi cerca ancora di affermare che artisti, pubblico e critica sono entità separate, mondi distanti. Due anni fa, a Kataklisma Teatro, gestito dall’omonima compagnia (sotto la guida di Elvira Frosini) al quartiere romano del Pigneto, si era svolta la prima edizione di quello che allora si chiamava “Uovo Critico”. Il progetto mirava a creare uno spazio di lavoro e riflessione comune in cui si quelle tre entità si potessero incontrare. L’esigenza proveniva da una crescente diffidenza nata intorno al legame che doveva e dovrebbe fare da collante per la prosperità e la conservazione del teatro contemporaneo. Del teatro, ci piace tornare a dire, “sperimentale”, nel senso proprio del termine, cioè quel genere di lavoro che vede la scena come terreno di sperimentazione scientifica.<br />
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Le disastrose circostanze (economiche e non solo) dei mesi passati avevano reso impossibile la replica di quell’evento nell’annata 2009. Ora la volontà di preservare quel legame torna a farsi più che mai urgente. Da questa piccola storia nasce, con appunto rinnovata forza, “<a href="http://novocritico.blogspot.com/" rel="nofollow" target="_blank"><b>Novo Critico – Appuntamenti tra critica e nuova scena performativa</b></a>”. La formula resta più o meno invariata: sono stati selezionate 10 compagnie/artisti e 10 critici; nel corso di due mesi (dall’8 ottobre al 3 dicembre 2010), si terranno degli incontri che testimonieranno la relazione tra queste due categorie, il tutto di fronte alla terza: il pubblico. <br />
Per gli spettatori non si tratterà tanto di assistere a una sorta di “incontro di boxe” tra critico e artista, quanto piuttosto di essere parte integrante del formarsi e del consolidarsi di un rapporto che per forza di cose esiste da sempre. La creatività incontra la considerazione estetica: il critico viene messo in contatto con l’artista al momento della definizione del calendario, in modo che abbia tempo e modo di approfondirne il lavoro, comprenderne l’estetica, riflettere sulle sue motivazioni di fondo. Durante l’incontro l’artista presenterà il proprio lavoro davanti al pubblico e al critico di turno, con il quale si intavolerà la discussione. Non un semplice dibattito, ma la costruzione di una strada estetica completa, il tentativo di riunire le forze verso una meglio definita direzione, un percorso più consapevole nella creatività come nella sua traduzione in un codice comprensibile per gli spettatori.<br />
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L’evento, promosso dal Comune di Roma, presentato in collaborazione con DAMS di Lettere e FIlosofia dell'Università di Tor Vergata, DASS, Facoltà Scienze Umanistiche, La Sapienza, Università di Roma e con il partenariato di Fondazione Romaeuropa, prevede per quest’anno l’inserimento di una nuova collaborazione, chiamata “Deposito Critico”: il prof. <b>Roberto Ciancarelli </b>(docente di Storia del Teatro e dello Spettacolo e Storia della Danza e del Mimo all’Università di Roma La Sapienza) e <b>Paolo Ruffini </b>(giornalista, critico e studioso di teatro, che dirige, tra l’altro, la collana “Spaesamenti” per Editoria&Spettacolo) saranno “testimoni speciali e competenti” degli incontri di Novo Critico, offrendo un contributo fondamentale all’approfondimento della discussione. Proprio perché, per chiudere il cerchio, la volontà del progetto promosso da Kataklisma e amnesiA vivacE è quello di restituire alla critica l’approfondimento di contenuti necessario a valorizzare il lavoro di chi fa il teatro. L’ultima iniziativa sarà quella, già sperimentata nei festival più all’avanguardia, di istituire un Osservatorio Critico, coordinato da docenti delle Università di RomaUno (<b>Elena D’Angelo e Francesca Magnini, </b>coordinate dal prof. Ciancarelli) e RomaDue (<b>Giada Oliva, Francesca Bini e Maria Rita Di Bari, </b>coordinate dalla prof.ssa <b>Donatella Orecchia</b>).<br />
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Si parte l’8 ottobre con l’incontro tra <b>Daniele Timpano e Nicola Viesti.</b> Gli appuntamenti successivi di ottobre prevedono<b> Andrea Cosentino / Claudia Cannella</b>, (15 ottobre), <b>Santasangre / Antonio Audino</b> (il 20), <b>Alessandra Sini / Rossella Battisti</b> (il 26) e <b>Kataklisma / Massimo Marino</b> (il 29). E via fino al 3 dicembre (<a href="http://novocritico.blogspot.com/p/calendario.html" rel="nofollow" target="_blank"><b>vai al programma completo</b></a>), ospitati ora dallo spazio Kataklisma e ora dall’Università di Tor Vergata. Krapp’s Last Post seguirà l’evento come media partner ufficiale insieme a Radio Tre. Filmeremo tutti gli incontri, dei quali daremo conto pubblicando via, con la maggior celerità possibile, un breve montaggio video di qualche minuto che offra un’idea delle questioni emerse, dei passi fatti insieme. Nel corso dell’evento intervisteremo anche gli artisti e i critici coinvolti, per dimostrare davvero che, se questo è il momento di far rinascere la critica, KLP è qui e si batte in prima linea.</div><div style="text-align: justify;"><b>la Redazione di Klpteatro.it</b></div><b>4 ottobre 2010</b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-46872703763309295252011-05-11T14:13:00.000+02:002011-05-11T14:13:22.463+02:00RASSEGNA STAMPA<b> <a href="http://inteatro.blogspot.com/">IL DOPO TEATRO</a></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZox-BHLMo7fpUfSqdmqDdMSvR-1VPud0HT8D8AGWvecy9qEHOhu0bRapwksOyo-E0N0SQu_Ax3obX5MKOPPeqe9HrdICc5M8lbPUymLfkzVpN-ozNlPh0JYkp5okpTVptFwjUICQ8H2I/s1600/NOVO+CRITICO+logo+medio.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="121" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZox-BHLMo7fpUfSqdmqDdMSvR-1VPud0HT8D8AGWvecy9qEHOhu0bRapwksOyo-E0N0SQu_Ax3obX5MKOPPeqe9HrdICc5M8lbPUymLfkzVpN-ozNlPh0JYkp5okpTVptFwjUICQ8H2I/s200/NOVO+CRITICO+logo+medio.jpg" width="200" /></a></div><br />
<h3 class="post-title entry-title"><a href="http://inteatro.blogspot.com/2010/10/novo-critico-la-critica-e-viva.html">Novo critico: la critica è viva</a> </h3><div style="text-align: justify;">A breve inizia Novo Critico: una serie di incontri tra attori, pubblico e critica. A ogni aritsta viene affiancato un critico: costretti a dialogare ne uscirà qualcosa che verrà presentato al pubblico. Un'opportunità unica per il triangolo della perfezione! Finalmente.<br />
Ho sognato per poco che mi avessero scelto per partecipare come critico e così ho sognato di parlare con un pò di balbettìo e la "r" moscia: "Dovrei esordire con la frase più banale al mondo: la Critica è morta! Ma che cazzo vuol dire? Allora dico che la Critica è viva. O meglio ci sono dei morti che ancora scrivono e dei vivi che vorrebbero. Ci sono certi morti che, essendosi fatti rosicchiare riga a riga il loro spazio sul giornale, hanno riversato le idee sul web uccidendo, da morti, la Critica stessa e, cosa quanto mai rara, il web journalism. Sembra che sfoghino quel pensare vacuo che non possono mettere nel giornale. Aprono dei blog nei siti dei quotidiani nazionali e si abbandonano. E non se ne abbia a male qualcuno in sala! <br />
Poi c'è una nuova generazione (che va dal ventenne al settantenne), lungimirante, che prova a capire e smontare uno spettacolo con la tecnologia. Fa della sintesi il dono più grande alla recensione e quando trova l'artista a lui congeniale lo studia con tutta la tecnologia possibile. <br />
E' quanto di più lontano dal teatro riprodurre uno spettacolo con un video, ma è altrettanto lontano non parlarne a dovere per conservare una memoria. Il Critico deve cadere a piombo nelle reti che l'artista ha posto per sè e per il pubblico. Mai creerà qualcosa per un critico. <br />
E allora direi ai morti, ai quali riconosco l'autorevolezza che si mostra ai morti, di farsi da parte. Fate altro. Noi siamo più sporchi di voi, siamo senza sciarpa, abbiamo lasciato cadere tante vostre credenze...in sintesi abbiamo avuto Maestri diversi che voi non avete conosciuto. Tutto qui. <br />
Se il Teatro è contemporaneo i morti sanno cosa fare."</div><div style="text-align: justify;"><b>redazione Il Dopo Teatro</b></div><div style="text-align: justify;"><b>3 ottobre 2010</b></div><div style="text-align: justify;"></div><div style="text-align: justify;"></div>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-50594791161948141422011-05-03T14:30:00.000+02:002011-05-03T14:30:10.773+02:00CONTRIBUTI E APPUNTI<span style="font-size: large;"><b><span class="post-author vcard"><span class="fn"><a href="http://inteatro.blogspot.com/">inteatro.blogspot.com</a></span></span></b></span><br />
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<h3 class="post-title entry-title"><a href="http://inteatro.blogspot.com/2010/11/ha-senso-fare-teatro.html">Ha senso fare teatro?</a> </h3><div class="post-header"></div><div class="post-body entry-content"><div style="text-align: justify;">Ormai tempo fa all'incontro di Novo Critico con <b>Silvia Garbuggino</b> e<b> Gaetano</b> <b>Ventriglia </b>una persona si è chiesta: "Ma ha senso fare teatro?". Vedo Gaetano ed Elvira Frosini scuotersi e rispondere quasi all'unisono: "certo che ha senso!"</div><div style="text-align: justify;">La domanda ragionata, ma del tutto istintiva, ha corroso il pensiero alla ricerca di una risposta.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Pensiero corroso: </div><div style="text-align: justify;">Garbuggino e Ventriglia hanno montato per noi con profonda educazione due frammenti di un loro spettacolo: una scena presa dai "Fratelli Karamazov" di Dostoevskij a cui seguiva lo scketch della metempsicosi. La sensazione che abbiamo avuto è quella di essere raccolti tutti, artisti-critici-pubblico, intorno a una tomba sulla cui lapide c'era scritto TEATRO.</div><div style="text-align: justify;">Non vogliamo sapere l'ora del decesso e se poi c'è veramente stato, ma puntualizzo che affermare la morte del teatro equivale a dire che è morto l'Uomo. Non posso giurare di vedere intorno a me degli uomini più che dei morti viventi, ma se così fosse?</div><div style="text-align: justify;">Poi quella sera è intervenuto Ventriglia, che per tutta la prima scena era rimasto in silenzio, dando il suo "stacco" ironico-straniante. Si entra nella metempsicosi.</div><div style="text-align: justify;">L'elaborazione teatrale del lutto passa per l'ironia cattiva di una storiella secondo cui da morto divieni escremento. In effetti la reincarnazione di un morto a cosa porta?</div><div style="text-align: justify;"> Un ghigno di sorriso appare sul viso, abbiamo elaborato il lutto senza muoverci da quella tomba.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Alla domanda posta avrei dovuto reagire come gli artisti, scattando. Invece ho pensato a lungo finchè non si è parlato di fare un Teatro che sia CONTRO. E allora ha trovato senso essere artista, essere critica, essere pubblico.</div><div style="text-align: justify;"></div></div><b><span class="post-author vcard"><span class="fn">Grot - <a href="http://inteatro.blogspot.com/">inteatro.blogspot.com</a></span></span></b><br />
<b><span class="post-author vcard"><span class="fn">24 novembre 2010 </span> </span></b><br />
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<span style="font-size: medium;"><b> </b></span><b><span style="font-size: medium;"><a href="http://inteatro.blogspot.com/2010/11/il-critico-creativo.html">Critico, togli l'io!</a></span></b><br />
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<div class="post-body entry-content"><div style="text-align: justify;">La provocazione è stata: il critico deve togliere l'io. <br />
Va bene, tolgo l'io. Ma tolgo le mie analisi, tolgo il mio spirito di osservazione, rado al suolo le emozioni che provo, strappo via tutto quello che vede il pubblico e con esso anche le mie conoscenze.<br />
Mi tolgo, mi tolgo. Resto a casa.<br />
Dovrei vedere solo una struttura scarna tirata su dall'artista per capire se è o no un spettacolo da vedere? Dovrei stilare una scheda tecnica dello spettacolo. Ecco, questo sì. Ma già esiste chi lo fa.<br />
Sarebbe bello rispondere a questa provocazione dicendo così all'attore che l'ha posta: ci sei troppo TU nello spettacolo. Ma quale critico affermerebbe questo?<br />
Però la provocazione ha la verità dalla sua parte. E' talmente vera da divenire luogo comune. <br />
Finchè si tratta di spettacoli che hanno largo successo, non si discute, il critico si preoccupa del pubblico sulle strutture dello spettacolo, ma quando l'artista sceglie una strada diversa, di un teatro contemporaneo, il critico che deve fare?! Preoccuparsi di un piccolo numero di spettatori o gettarsi sullo spettacolo con tutto l'io possibile cercando di essere attivo?<br />
Dispiace quasi dirlo ma se si usa la parola critico, bisogna togliere tutte le altre tipo: attivo, militante...e metterne una sola: creativo. Tanto un'artista si lascia assorbire da arti, società....per condensare in un distillato lo spettacolo, quanto il critico assorbe per creare il suo testo, la sua critica. <br />
Altrimenti chiamiamolo CRONISTA, rimanendo nella falsa idea che anche un cronista esclude l'io. </div></div><br />
<b><span class="post-author vcard"><span class="fn">Grot - <a href="http://inteatro.blogspot.com/">inteatro.blogspot.com</a></span></span></b><br />
<b><span class="post-author vcard"><span class="fn">3 novembre 2010 </span> </span></b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-70379282150772946422011-04-18T13:28:00.000+02:002011-04-18T13:28:10.897+02:00CONTRIBUTI E APPUNTI<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEH6NWkvcAN8PHWJruw_Hl7L3vvgmu3DyuCh_LFByPnc4wPqFIHl_saGvV7Dskdgu_gBgjfGKTQuBWM-G8Gtgpaz1L3r12F2obeMrG5TGh5id7DdEXDNWAZyMCibSi8vaeyGqmyhOAl9A/s1600/IMG_0097.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEH6NWkvcAN8PHWJruw_Hl7L3vvgmu3DyuCh_LFByPnc4wPqFIHl_saGvV7Dskdgu_gBgjfGKTQuBWM-G8Gtgpaz1L3r12F2obeMrG5TGh5id7DdEXDNWAZyMCibSi8vaeyGqmyhOAl9A/s320/IMG_0097.JPG" width="240" /></a></div><br />
<span style="color: red; font-size: medium;"><b>Addentrarsi (su Esercizi di Rianimazione di Cosentino/Picciotti)</b></span><br />
<span style="color: red; font-size: medium;"><b> </b></span>Addentrarsi. <br />
Cercare, tentare, rischiare, mostrare una prova, un percorso, non un punto di arrivo, ma la volontà estrema di percorrere quella strada e di sperimentare, non già di arrivare a conclusione. <br />
Che forse il punto di arrivo, famosa retorica che ci insegnano non appena approdiamo nel mondo del teatro, non è importante quanto i mezzi e le strade che usiamo e attraversiamo per arrivarci.<br />
E tutto il materiale che si utilizza davvero, concretamente lo ritroviamo lì sulla scena.<br />
E anche l'attore, svestito della sua maschera più forte e compiuta, torna a svelarsi pian piano e si lascia semplicemente trasportare dall'esperimento.<br />
Si lascia condurre in un territorio che nessuno conosce. <br />
Si lascia sedurre finalmente dall'atto puro di fare teatro e di tornare a cercare (come ci insegnava Elsa Morante... Di tornare a cercare).<br />
Per questo ridiamo, ma portandoci a casa il nostro silenzio nella tasca della giacca o intrecciato alla sciarpa.<br />
E ritroviamo una serie di piccoli interrogativi nascosti.<br />
E piccole desolazioni e piccole verità e piccolissime lacrime.<br />
Forse non sappiamo cosa sia accaduto davvero in strada o nella sala pulsante di respiri e di muscoli doloranti, uno accanto all'altro da sentirne quasi il movimento dei pensieri o il flusso dell'attenzione più rilassata. Ma in fondo sappiamo che l'azione più importante che è avvenuta è che c'è qualcuno che si è rimesso in gioco. Che si è messo in discussione e che ha provocato, non tanto il pubblico ma se stesso.<br />
E non intendo la provocazione fino a se stessa che molto spesso ci lascia come una programma di spicciola euforia adolescenziale, ma la provocazione che porta con se una serie di conseguenze. E di effetti.<br />
E soprattutto è avvenuta per la prima volta dopo tanto tempo, la messa in discussione di sè. Sì, perchè quando torni a cercare con la semplicità e la purezza primitive (che si trovano solo quando hai davvero la necessità di trovare qualcosa), davvero ti metti in discussione. Ti devi smontare (come erano fatti a pezzi tuti i materiali usati in scena), devi ricominciare da capo e trattare come massa informe tutto quello che sei.<br />
Per non presentare alla fine dei conti la prossima produzione della compagnia attorno al senso della vita e di questa crisi, ma per approdare al lavoro più profondamente umano di due attori che incontrandosi hanno iniziato un vero lavoro insieme.<br />
Utilizzare la crisi e le incertezze che annebbiano i nostri sensi, e la nostra intelligenza molto spesso, per produrre un nuovo senso, per proporre, stimolare, alleggerire e poi scavare dentro le viscere. Non più dimostrare di essere artisti e per questo superiori nel comprendere che cosa accade nel nostro momento storico, ma essere umani.<br />
Mi piace ripetere la parola semplicemente, perchè è questo ci manca di più: la semplicità.<br />
E invece qualche sera lì è avvenuto un fatto che si può definire (ahimè) straordinario. Siamo tutti tornati bambini. Ma non perchè abbiamo nostalgia del piccolo principe o della favole della buonanotte, ma perchè abbiamo guardato, osservato e ascoltato un intero lavoro senza il giudizio più assoluto di ricchi intellettuali - teatranti - letterati- critici - alto borghesi migliori del resto del mondo perchè ne abbiamo capito le regole, ma solo per accogliere realmente quello che ci veniva offerto: uno scambio, un esercizio e fulminanti punti d vista che possiamo mettere in discussione o utilizzare per renderci conto che tutto quello che sappiamo forse non è tutto. Non ci basta. O dobbiamo usarlo per andare avanti.<br />
Quello che davvero è accaduto seppure per pochi dolcissimi attimi, è prezioso: si parla di umanità. Si parla all'umanità, in diversi sensi. <br />
Sull'arte e sull'accattonaggio. Sul mendicare e sul creare, sul lamentarsi e sul giocare, sulla tenerezza e sulle urla scomposte, sul nostro corpo e su quello di giocattoli, <br />
Ma senza la presunzione nauseabonda di chi sa di aver ammaliato una folla di spettatori (esagero un pò, ma è questo lo spettacolo che mi si presenta da un pò di tempo a questa parte).<br />
Solo con la volontà di affrontare il problema più grande di oggi, e con una risata o una lacrima di commozione o un gesto d'impeto rabbioso o con una carezza delicata, o con un buffo guanto di gommapiuma sulla mano, non tanto risolveremo, bensì riusciremo a individuare la possiblità di creare alternative ai facili isterismi cui siamo tutti facile preda (me compresa).<br />
Ringrazio profondamente Andrea e Francesco, perchè sono convinta di avere imparato qualcosa...<br />
Sto cercando di capire cosa; qualcosa dentro si sta muovendo, sta esplodendo, mi sta esplorando, piano piano emerge, poi si assopisce di nuovo, poi di nuovo forse s'illuminerà, ma sono felicemente convinta di avere assistito ad un piccolo miracolo, in cui si affronta l'umanità, noi che viviamo questo momento storico, sociale, privato, politico, artistico, familiare, naturale.<br />
Si è creata una vera relazione, in barba a tutte le bugie e le strategie che arrangiamo ogni giorno. E noi ne eravamo i protagonisti insieme ai clown che sperimentavano possibilità e respiri.<br />
Semplicemente eravamo parte della storia, come nel mondo là fuori. Mentre le cose accadono noi guardiamo. E mentre noi accadiamo le cose si fermano a guardare. <br />
E tutto non può terminare che un caloroso e sincero grazie.<br />
<br />
<b>Chiara Fallavollita</b><br />
<b>21 ottobre 2010</b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-3384023514028727322011-04-14T15:07:00.001+02:002011-04-14T15:08:02.909+02:00MATERIALI E RIFLESSIONI - Nono incontro<div class="separator" style="clear: both; color: red; text-align: left;"><b>LE RIFLESSIONI CRITICHE DI RODOLFO SACCHETTINI</b></div><div class="separator" style="clear: both; color: black; text-align: left;"><br />
</div><i style="color: red;"><b>Ambra Senatore: a passi di ironia</b></i><br />
<div class="separator" style="clear: both; color: black; text-align: left;"><br />
</div><div style="color: #eeeeee; text-align: justify;">Nell’incontro pubblico con Ambra Senatore, dopo la sua breve azione coreografica realizzata con Caterina Basso tratta dall’ultimo spettacolo Passo, sono emerse alcune questioni riconducibili in parte al tema dell’ironia. Che cos’è l’ironia? Come funziona? Che tipo di relazione si innesca con il pubblico? E soprattutto come viene oggi trattata l’ironia, che uso se ne fa e che implicazioni comporta? La sensazione è che in questi ultimi decenni all’ironia si ricorra in maniera sempre più diffusa, come fosse un salvagente. Da strumento di intelligenza e di analisi pare allora trasformarsi in arma, dispiegata per salvaguardare la superficie delle cose, per bloccare slanci o desideri di profondità. Invece di stimolare i pensieri, spingerli sempre più avanti, l’ironia di oggi, spesso brutale e rozza, tarpa le ali, legittima la stupidità. Ma questa non è più ironia evidentemente, bensì la sua degradazione. Di questi tempi, nelle conversazioni, l’”ironia” cialtrona fa ovunque la sua comparsa come un disco rotto, tramuta la riflessione in barzelletta, semplifica, rende tutto ammissibile, detta il ritmo dei dialoghi, dando vita a tratti a una sorta di contrappunto del consenso come fa la risata registrata in una sit-com. L’ironia cialtrona-televisiva tramuta immediatamente la critica in chiacchiera e di questi tempi non c’è da stupirsi: è cosa impervia essere rigorosi, prima di tutto con noi stessi, sforzandosi di distinguere il più possibile la natura di ciò che si ha davanti. Lavorare seriamente con l’ironia è insomma molto difficile e ci vuole una certa grazia, quella del saper stare dentro e fuori le cose, che, molto spesso in scena il “corpo”, col suo strenuo esercizio di una qualità, la presenza, riesce a mantenere meglio rispetto alla “parola”, che appare spesso davvero usurata e consunta, difficile da rianimare.</div><div style="color: #eeeeee; text-align: justify;">Cercare di instaurare una relazione “ironica” tra scena e pubblico significa tenere in conto contemporaneamente più livelli di significato; se è vero che l’ironia – semplificando al massimo – è l’affermazione di una cosa per intenderne un’altra (solitamente il suo opposto), il contratto con lo spettatore andrà sempre disegnato in maniera sottilmente ambigua. Guardiamo a cosa accade nella performance della Senatore, ad esempio. A quale livello qui dobbiamo attenerci o, in altre parole, che cosa si sta dicendo su quella scena? Non si tratta certo di far la morale o di dare dei “messaggi”, ma qualcosa di piuttosto chiaro viene “detto”, e ciò avviene tramite il linguaggio del corpo. Le due danzatrici danno vita nell’arco di pochi minuti e con una certa grazia a una partitura di gesti che paiono continuamente giocare sulla sorpresa. Sembra quasi che le danzatrici si sorprendano dei propri gesti, come “costrette” a eseguire una coreografia, senza aver però la certezza di come questo gioco andrà a finire. Basso e Senatore, con la medesima parrucca e gli stessi abitini, si presentano come due “sorelline”, o addirittura due cloni, in gara forse per il raggiungimento del fantomatico modello comune. Una certa idea di danza, una certa estetica, un certo modo di ammiccare al pubblico funzionano da modello omologato e omologante al quale inavvertitamente si prova a resistere (da parte delle performer, ma anche del pubblico). L’errore e alcune emozioni umane (l’imbarazzo, il pudore, la sgangheratezza) diventano allora gli antidoti a degli stereotipi che imprigionano il corpo, lo bloccano e lo normalizzano. In questa dinamica la coreografia della Senatore prova a costruire non delle vere e proprie narrazioni, ma delle micro-storie, mirco-climi emotivi, riconducibili a un universo umano sghembo e in difficoltà, ma sostanzialmente “simpatico”. Perché simpatico? Perché passibile di identificazione: dietro alla perfezione, fredda e meccanica, del modello si compie lo scarto scivoloso dell’ironia che nasconde e rivela a tratti l’ombra della normalità. Una normalità, che si affanna, più fragile e più calda, e che alle prese con la sua complicata e viva esistenza, può mostrarsi come “eccezione” e finalmente riguardarci.</div><div style="color: #eeeeee; text-align: justify;">Che tipo di evoluzione può avere questa dinamica, questa applicazione così corretta di un dispositivo retorico molto semplice? Le strade sono ovviamente tante e inaspettate, e tante le possibili derive, ma dal dialogo con la Senatore emerge un’interessante necessità di continuare a costruire spessore intorno a queste “figure”, forse necessariamente nate in una sorta di scarto bidimensionale, ad andare più a fondo nel ritrarre la “varia umanità”; tramite il linguaggio della danza raccontare i tic, le smorfie, le irregolarità dell’essere umano. È forse proprio in questo scivolamento di piani, dal lineare al franto, che quella ironica diventa una possibile chiave per scandagliare così anche il versante dell’ombra, affondare i propri passi nel “grottesco” – oggi poco e male frequentato dal teatro – per accettare l’enigma della “mostruosa normalità”, quella delle nostre facce e dei nostri corpi.</div><div class="separator" style="clear: both; color: #eeeeee; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; color: #eeeeee; text-align: left;"><b>Rodolfo Sacchettini</b></div><div class="separator" style="clear: both; color: #eeeeee; text-align: left;"><b>19 novembre 2010 </b></div><div class="separator" style="clear: both; color: black; text-align: left;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; color: black; text-align: left;"><br />
</div>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-39267577638618017042011-03-03T00:47:00.001+01:002011-03-03T00:47:59.468+01:00MATERIALI E RIFLESSIONI - Sesto incontro<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmt2N7Qzi5f7JcDbdjybhXQz_oH8-SiteJHwU3Ti9Hk3ga-ixArBXbBoiCRw6Ijifp8A3CyllAk7hNT4nt7npqumUwJlR_7RGhrmdrev4SJCZ0EC-SFcYCNWxmybi1XPWJgeHedKt40g0/s1600/Foto+Sisifo_Dario+Aggioli.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmt2N7Qzi5f7JcDbdjybhXQz_oH8-SiteJHwU3Ti9Hk3ga-ixArBXbBoiCRw6Ijifp8A3CyllAk7hNT4nt7npqumUwJlR_7RGhrmdrev4SJCZ0EC-SFcYCNWxmybi1XPWJgeHedKt40g0/s320/Foto+Sisifo_Dario+Aggioli.jpg" width="240" /></a></div><br />
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<div class="separator" style="clear: both; color: red; text-align: left;"><b>LE RIFLESSIONI DI DARIO AGGIOLI/TEATRO FORSENNATO</b></div><div class="separator" style="clear: both; color: black; text-align: left;"><br />
</div><div style="color: #eeeeee;">Essere chiari, dare una risposta chiara, dover chiarire il proprio pensiero...</div><div style="color: #eeeeee;">Per ogni domanda c'è una risposta? E' una sola?</div><div style="color: #eeeeee;">La contraddizione è un problema o un valore? Una forza o una debolezza?</div><div style="color: #eeeeee;">Per me rispondere è una violenza su me e su chi porge la domanda.</div><div style="color: #eeeeee;">Durante l'incontro ho dato risposte chiare? Ho trovato una modalità</div><div style="color: #eeeeee;">per spiegare il mio lavoro?</div><div style="color: #eeeeee;">Forse il mio lavoro è non essere chiaro.</div><div style="color: #eeeeee;">Io cerco una domanda chiara.</div><div style="color: #eeeeee;">La domanda è un motore, una forza propulsiva, è un approccio erotico.</div><div style="color: #eeeeee;">La risposta è un muro, la morte, è pornografia.</div><div style="color: #eeeeee;">Il nostro teatro è erotico, non pornografico. Non cerchiamo il nuovo,</div><div style="color: #eeeeee;">la risposta a tutto, non cerchiamo lo spettacolo perfetto.</div><div style="color: #eeeeee;">Mio nonno, il più grande artista che io abbia mai conosciuto, quando</div><div style="color: #eeeeee;">mi iniziò al disegno mi disse: "chi cerca la perfezione non è un</div><div style="color: #eeeeee;">artista, è un morto de sonno! Lo capirai, disegna che lo capirai...".</div><div style="color: #eeeeee;">Chi dalle domande cerca una risposta ha un approccio pornografico.</div><div style="color: #eeeeee;">Vuole toccare la verità, tastarla, penetrarla.</div><div style="color: #eeeeee;">Io invece voglio sedurla, ingannarla, ingannarmi, innamorarmi, desiderarla.</div><div style="color: #eeeeee;">Quale è il metodo di Teatro Forsennato?</div><div style="color: #eeeeee;">Un metodo, una metologia, un applicazione identica per ogni spettacolo</div><div style="color: #eeeeee;">o per ogni spiegazione è pornografia!</div><div style="color: #eeeeee;">Qual è il punto fermo di ogni nostro lavoro? Lo spettatore, lo spazio,</div><div style="color: #eeeeee;">il momento: questi punti sono sfuggenti? Ogni volta sono diversi? Non</div><div style="color: #eeeeee;">ci danno certezze?</div><div style="color: #eeeeee;">Noi cerchiamo ogni volta come innamorarci di una storia, come sedurre</div><div style="color: #eeeeee;">uno spettatore, come godere insieme.</div><div style="color: #eeeeee;">Vogliamo accompagnare lo spettatore, camminare accanto a lui, non</div><div style="color: #eeeeee;">manipolarlo o guidarlo. Chiedere a lui dove vuole andare...</div><div style="color: #eeeeee;">Non chiedetemi di essere chiaro, non posso esserlo, non so esserlo,</div><div style="color: #eeeeee;">non voglio esserlo.</div><div style="color: #eeeeee;">Chi cerca la strada? Chi sa dove si trova o chi si è perso?</div><div style="color: #eeeeee;"><br />
</div><div style="color: #eeeeee;">Spero di non essere stato chiaro</div><div style="color: #eeeeee;"><b>Dario Aggioli - Teatro Forsennato</b></div><div style="color: #eeeeee;"><b>8 novembre 2010</b></div>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-56384933572158383202011-02-05T13:40:00.000+01:002011-02-05T13:40:14.128+01:00OSSERVATORIO CRITICO UNIVERSITARIO - Decimo incontro<b>Decimo incontro - 26, 27, 28 novembre 2010</b><br />
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<div style="color: red;"><span style="font-size: medium;"><b>Novo Critico 2010. "Tre giorni per One Day"</b></span></div><div style="color: red;"><span style="font-size: medium;"><b>accademia degli artefatti incontra Andrea Porcheddu</b></span></div><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHog54e0Z-7JTDicj5Gm3oKVXehqQx7RoKzKYrtm_e0UKwNquOekDlN4U_Rblm2mV3sbTRNmtpbNYI4ZDrYzDjqx0VpzsqkzrVbDX7Lf79mLfVY11ija5NF13rhY6EKGeBjuBomah0lRM/s1600/artefatti.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHog54e0Z-7JTDicj5Gm3oKVXehqQx7RoKzKYrtm_e0UKwNquOekDlN4U_Rblm2mV3sbTRNmtpbNYI4ZDrYzDjqx0VpzsqkzrVbDX7Lf79mLfVY11ija5NF13rhY6EKGeBjuBomah0lRM/s320/artefatti.jpg" width="232" /></a></div><br />
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<b style="color: red;">333.7993661</b><br />
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<div style="text-align: justify;">Lo studio proposto dall’Accademia degli Artefatti al Kollatino Underground è ciò che rimane di un progetto da presentare al Roma Europa Festival nel 2008. Progetto fallito per abbandoni produttivi. Di questo abbandono lo studio presenta tutti i sintomi: anaffettività verso gli oggetti di scena, barbe incolte e volti solcati da profonde occhiaie. Si tratta di uno studio presentato a luci accese con copioni alla mano e attori che vanno e vengono dalla platea alla scena. La forma è subito convincente perché si presta in maniera efficace al contesto in cui viene proposta: l’Accademia degli Artefatti ci offre materiale nudo, pronto ad essere vivisezionato, studiato, analizzato. <br />
Lo studio si presenta sotto forma di episodi. Il primo episodio o della donna-pesce è attraversato da originali riflessioni sulla forza dirompente della visione laterale e da chiari riferimenti a certi panorami inquietanti della cinematografia degli ani ’70-’80: Funny Games di Haneke e Strade perdute di Lynch. In un certo senso la dimensione onirica, dissacrante e inquietante dei frammenti citati durante il primo episodio, si presta bene all’umore dello studio presentato dall’Accademia degli Artefatti: i dialoghi degenerano sempre in sit-com paradossali, costellate di nonsense, di perdite momentanee di memoria, di inversioni dei ruoli. Il gioco è accattivante, per certi versi divertente, ma in qualche modo rallentato e reso prolisso dalla presenza dei copioni in scena: la lettura degli attori dilata i tempi della rappresentazione creando spazi vuoti che i performers riempiono sovraccaricando il repertorio gestuale ed espressivo di ornamentazioni, abbellimenti, modulazioni, fino a dare vita a perfette caricature di se stessi.<br />
La seconda parte dello studio si apre col dirompente ingresso di un attore nudo dalla cintola in giù, interessante pretesto per indagare le dinamiche dell’attenzione, che scivola purtroppo in un più scontato gioco di doppi sensi sulle esigue dimensioni del membro. Peccato.<br />
Il terzo episodio o dell’interrogatorio risulta molto interessante grazie alle evidenti capacità dei due attori che si muovono in sincronia perfetta lungo le traiettorie del testo: movimenti, toni, espressioni, tengono viva l’attenzione che altrimenti si perderebbe seguendo le linee confuse di un dialogo che procede a stento sul terreno scivoloso dell’assurdo.<br />
L’ultimo episodio o dei pacchi, pur rievocando atmosfere beckettiane –i due protagonisti dell’episodio sembrano due moderni Vladimiro ed Estragone nell’attesa attuale di un significato che sfugge- non riesce a staccarsi dall’impianto teorico-demagogico sul concetto di libertà e democrazia, lasciando inattuate le possibilità di una nuova clownerie di acrobazie del quotidiano.</div><br />
<b>Elena D'Angelo</b><br />
<b>Osservatorio critico Roma1</b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-21564669982864221642011-01-31T13:59:00.000+01:002011-01-31T13:59:39.456+01:00OSSERVATORIO CRITICO UNIVERSITARIO - Nono incontro<b>Nono incontro - 12 novembre 2010</b><br />
<b><span style="color: red;">Novo Critico 2010. Ambra Senatore incontra Rodolfo Sacchettini</span></b><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx4E_3YgHCgWPFiMPJ10dAU7YC2bJppWLSW6hHiCm9zaKjEIot6UIvHbyDnpbrVNQm-XCnrwQuDPEebtPHrQm9Jrwewy64dDrqzwspE3u6ZdRTf38vInpFZ1UfFAs8SUztb-4qpR4GdSI/s1600/senatore.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx4E_3YgHCgWPFiMPJ10dAU7YC2bJppWLSW6hHiCm9zaKjEIot6UIvHbyDnpbrVNQm-XCnrwQuDPEebtPHrQm9Jrwewy64dDrqzwspE3u6ZdRTf38vInpFZ1UfFAs8SUztb-4qpR4GdSI/s320/senatore.JPG" width="320" /></a></div><br />
<br />
<b style="color: red;">Passo<br />
Parrucca verde, Vestito nero.</b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">Immobile. Sotto il bagno di luce della lente Fresnel. Parrucca nera. Vestito verde. Il corpo esatto, come una figurina di cartone ritagliata con precisione estrema. Lentamente si anima. I primi istanti si popolano di movimenti robotici, inumani. Il corpo studia lo spazio, si intrattiene con le dinamiche del disequilibrio e della frammentazione, tagliando l’aria della piccola scena 4x4. Il silenzio della sala è animato dal respiro e dal ritmico scricchiolare delle tavole di legno. Poi: la musica. Il movimento si fa più fluido. Il mio occhio s’abitua, riconosce, non segue più col dito incerto le lettere di uno strano alfabeto, ma riesce a leggere parole, persino intere frasi.<br />
L’immagine si moltiplica. Due corpi identici che in maniera identica si muovono nello spazio, raccontando una storia di gesti quotidiani, consueti. La mano che sistema i capelli dietro l’orecchio: istantanea di un’umanità che vuole rivelarsi nel flusso dell’agire danzato. Dalla superficie indistinta del movimento affiorano come guizzi dettagli che svelano l’individualità, spesso legati ad un errore volontario nell’esecuzione della coreografia. Come a dire: è nella deviazione dalla norma che l’individuo può sperare di affermare la propria unicità.<br />
Tra gli applausi i miei occhi aspettano ancora, da dietro la tenda: Parrucca nera, Vestito verde. O ancora meglio: Parrucca verde, Vestito nero.</div><br />
<b>Elena D'Angelo<br />
Osservatorio critico Roma1</b><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZCNoDFhSSGJ1UE04eap6yjT0VELCHqjAxo8mk5AAgNSCI8_mWZxttjIn6K36PA77ZTQNKIngbuTzFfMs2i0RDNYDEbT4WI-fLJFniCELbO6SWtKSA5h7IFkGmeiGn_gNs1BP4Nku5hyphenhyphens/s1600/ambra.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZCNoDFhSSGJ1UE04eap6yjT0VELCHqjAxo8mk5AAgNSCI8_mWZxttjIn6K36PA77ZTQNKIngbuTzFfMs2i0RDNYDEbT4WI-fLJFniCELbO6SWtKSA5h7IFkGmeiGn_gNs1BP4Nku5hyphenhyphens/s320/ambra.JPG" width="320" /></a></div><br />
<br />
<b style="color: red;">L’inciampo</b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">Che una caduta inaspettata generi uno scoppio di ilarità, immerga nel comico l’osservatore è dato per assodato, Charlie Chaplin e Buster Keaton la praticavano alla perfezione, da veri maestri dell’inciampo, si pensi al formidabile duetto in Luci della ribalta. La teorizzazione pirandelliana viene ad informare che il passaggio dal comico all’umorismo è un passo, breve. L’osservatore s’accorge della sofferenza del malcapitato, la sua risata si spegne. Il confronto coi grandi nomi può spaventare, perciò Ambra Senatore ha riposto in un cantuccio due regali, un libro e un cofanetto di dvd su Keaton, destinati a future letture e visioni, quando non avrà più il timore del paragone con quel grande cui non di rado viene accostata per le formule del suo teatro danza, dove alberga lo stupore, causato da un apparente imprevisto. Tutto in realtà è studiato alla perfezione; il doppio, un piede che cede, una parrucca che vola, una mano che si stacca vengono inseriti ad arte per stupire, disorientare. Contro la sicurezza, che vuol tornare ad insediarsi, immediata deve nascere una nuova forma, che sia tableau vivant o fermo immagine, capace di stupire ancora: perché nel futuro spettacolo di Ambra Senatore la danza sia come la vita, di continuo soggetta a metamorfosi, afferrabile e definibile per poco, poi di nuovo in evoluzione. Un incontro piacevole quello che segue la presentazione del lavoro, in cui giustamente il critico Sacchettini lascia che la Senatore continui a fare teatro mentre parla del proprio teatro.</div><br />
<b>Laura Pacelli</b><br />
<b>Osservatorio critico Roma1<br />
<br />
</b><br />
<div style="text-align: justify;"><b style="color: red;">Questione di tempi</b><br />
<br />
Daria Deflorian ha scelto di non presentare alcun primo studio.<br />
Da sottolineare questa volontà, non dettata dalle circostanze, di soffermarsi con e sulle idee prima di metterle in pratica. James Hilmman le fornisce il sostegno teorico “[...]le idee perdono vitalità quando vengono concretizzate. Devono essere covate per farne uscire di migliori”.<br />
Ecco mi pare buona cosa questo suo non cedere all'ansia del risultato, al ricatto della formalizzazione e della produzione immediata. La necessità quindi di sostare, assecondare i tempi del pensiero,e non precipitarsi.<br />
E' il rifiuto di quella che la Deflorian definisce la “condanna dell'esposizione”.<br />
Che un artista cerchi il confronto col pubblico in questa fase iniziale di creazione, è raro.<br />
Quando ad esistere è solo l'idea, nuda, senza ancora una traduzione scenica, esporsi al giudizio esterno può essere prematuro ma anche stimolante.<br />
Ambra Senatore, diversamente dalla sua collega ha scelto di non cogliere questa occasione. Ci ha mostrato un estratto da “Passo”, spettacolo che ha già avuto modo di girare e ricevere riconoscimenti. Ha ritenuto opportuno dover necessariamente “mostrare”. Difatti il nuovo lavoro quello annunciato, tarda a vedere luce. La Senatore ce lo fa intuire nella discussione con il critico Rodolfo Sacchettini , esponendo anche i propri dubbi in merito alla sua idea iniziale : costruire un percorso di movimenti che compongano immagini cinematografiche. Nel dichiararsi probabilmente non all'altezza delle sue intenzioni , e nell'esprimere la preoccupazione di venir meno ad una certa tempistica, la Senatore ci ricorda che la creazione ha i suoi tempi. Tempi spesso dilatati, che possono portare a non essere “in tempo”. E mentre pensa e tentenna, ci racconta di come l'osservazione della realtà sia la sua principale fonte d'ispirazione: l' anziano marito che aiuta la moglie a salire tirandola lentamente per un braccio è un intero mondo di gesti, pose e atteggiamenti.<br />
Errare è umano, si dice.”Passo” è volutamente disseminato di errori o “pennellate di umanità”, che intaccano l'apparente perfezione della danza. L'umanità è tutta in quelle mancanze,i n quei vuoti, in quel qualcosa che non torna e che devia dalle aspettative, è nel rifiuto della pienezza e della riproducibilità. Tutto questo è anche molto ironico. Ci si chiede allora cosa sia l'ironia e ci si interroga su i meccanismi del comico, che sono imperscrutabili e di difficile spiegazione. La comicità è in fondo una questione di tempi, non riproducibili con esattezza e precisione.<br />
<br />
<b>Giada Oliva</b><span style="font-weight: bold;"><br />
</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-weight: bold;">Osservatorio critico Roma2</span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><b><br />
<br />
</b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-48958259482387900852011-01-20T13:55:00.000+01:002011-01-20T13:55:56.320+01:00OSSERVATORIO CRITICO UNIVERSITARIO - Ottavo incontro<b>Ottavo incontro - 10 novembre 2010</b><span style="font-size: x-small;"><span class="long-title" dir="ltr" id="eow-title" style="vertical-align: top;" title="Novo Critico 2010. Daria Deflorian e il reality senza show"> </span></span><br />
<br />
<div style="color: red;"><span style="font-size: medium;"><b><span class="long-title" dir="ltr" id="eow-title" style="vertical-align: top;" title="Novo Critico 2010. Daria Deflorian e il reality senza show">Novo Critico 2010. Daria Deflorian incontra Katia Ippaso</span></b></span></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijbkxt7r6hJHc7uW_6wJuUl_gOVm8tDYWW4x8nkQuxdTyXRFHGCRv-sOiJA6uSvFiP_WCfqV0U2mQ_t1kvx6ciPp_RMneiooqZku5tK9OtGBftRFhRPY020bVFIXeRr_LtHzR4eE4kn2Y/s1600/Daria_Deflorian_foto_di_Serafino_Amato_%255B1%255D.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijbkxt7r6hJHc7uW_6wJuUl_gOVm8tDYWW4x8nkQuxdTyXRFHGCRv-sOiJA6uSvFiP_WCfqV0U2mQ_t1kvx6ciPp_RMneiooqZku5tK9OtGBftRFhRPY020bVFIXeRr_LtHzR4eE4kn2Y/s320/Daria_Deflorian_foto_di_Serafino_Amato_%255B1%255D.jpg" width="320" /></a></div><br />
<br />
<b style="color: red;">Sé come un altro.</b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">Trattenersi, non mostrarsi per evitare l’eccessiva immediatezza e il finalismo progettuale. <br />
Daria Deflorian sceglie per il pubblico di Novo Critico il racconto dell’idea cardine di Reality, futuro spettacolo che la vedrà protagonista insieme ad Antonio Tagliarini. Nessuna rappresentazione dunque, ciò che abbiamo al momento è la folgorazione di un inizio, l’incubazione entropica di un’idea. L’incontro con il soggetto, racconta l’artista, avviene durante un’assolata domenica di marzo: Daria si imbatte per caso nella storia di Janina Turek, casalinga di Cracovia che dal 1943 al 2000, anno della morte, racconta i dettagli della propria quotidianità senza interruzione e senza mai renderli pubblici. A poco a poco, la scrittura diventa il suo mestiere: i più banali e irrilevanti dettagli vengono annotati su 748 quaderni, quasi si trattasse di libri contabili. Janina non scrive mai di sé, e quando accade lo fa in terza persona, guardandosi vivere. L’intuizione artistica è imperiosa, categorica; il primo impatto fortemente emotivo. Ossessione patologica o meno, poco importa. Il racconto della Deflorian è commovente e commosso, la sua immagine della donna che spiò se stessa quasi come fosse una necessità imprescindibile, è felice e rispettosa. Forse ancora troppo partecipata. Per la domanda di Katia Ippaso sulle modalità della messa in scena non c’è ancora una risposta precisa. Ciò che è certo sono i molteplici interrogativi che la storia pone agli artisti e al pubblico. E il futuro titolo sintetizza e non lascia scampo: Reality contiene in sé il rapporto tra il reale e la sua rappresentazione. Ci troviamo ancora una volta a riflettere sul paradosso del Teatro, che è per definizione vita artificiale, si, ma partecipata, e che tanto si discosta da quella voyeuristica visione da guardoni che è propria invece del moderno Reality Show. Bisogna lavorare per sottrazione allora, ad eliminare del tutto quel termine mancante. E’ lo stesso lavoro di Janina ad aprire la strada mettendo in gioco la dialettica tra pubblico e privato, tra dicibile e ineffabile. Apparentemente i suoi scritti sembrano inserirsi in un circuito chiuso che elude tanto la dimensione del proprio vissuto emotivo, quanto quella collettiva. Una macchina puntigliosa ferma sulla carta significanti sterili e matematici, dove pathos e ethos si annullano. Eppure, sostiene la Deflorian, l’azione di questa donna sembra aver a che fare con un altrove non raccontato, con una dimensione metafisica da indagare, quasi che la scelta volontaria fosse quella di celare l’essenziale. Inoltre, aggiungiamo noi, se da una parte il soggetto sembra oggettivarsi solo attraverso un’indagine privata e analitica del sé, dall’altra, fanno riflettere la continuità e la decisione di conservare questi scritti. A futura memoria. Nessuna violenza dunque, così come ha suggerito qualcuno. Un tradimento necessario, certo. Di fronte ad un’individualità scissa tra il detto e il non detto – ineludibile punto di partenza- si pone lo sguardo critico dell’arte, a dialogare con la Storia passata e presente, a riflettere sulla propria identità e sulla propria dimensione quotidiana.</div><br />
<b>Francesca Bini </b><br />
<b>Osservatorio critico Roma2</b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhPIcDKLQ07XPnHFecNvFORBh8IkkMn2KNnXyd42yaarOzwrqYICm3gw3J-PSt4xsK_5oaaBZQOua98o69-IIH1GED0HVqtG0s_DrwgjdzGmOfdiPAOUlKO9I0DTRa4fSFxx_hMkE_uTk/s1600/Rewind+Daria+Deflorian+foto+di+A.Novelli.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhPIcDKLQ07XPnHFecNvFORBh8IkkMn2KNnXyd42yaarOzwrqYICm3gw3J-PSt4xsK_5oaaBZQOua98o69-IIH1GED0HVqtG0s_DrwgjdzGmOfdiPAOUlKO9I0DTRa4fSFxx_hMkE_uTk/s320/Rewind+Daria+Deflorian+foto+di+A.Novelli.jpg" width="320" /></a></div>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-15519326876921047932011-01-16T15:59:00.000+01:002011-01-16T15:59:13.254+01:00OSSERVATORIO CRITICO UNIVERSITARIO - Sesto incontro<b>Settimo incontro - 3 novembre 2010</b><br />
<br />
<div style="color: red;"><span style="font-size: medium;"><b>NOVO CRITICO 2010 - "Studio per un manicomio"</b></span></div><div style="color: red;"><span style="font-size: medium;"><b>Teatro Forsennato incontra Florinda Nardi</b></span></div><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmt2N7Qzi5f7JcDbdjybhXQz_oH8-SiteJHwU3Ti9Hk3ga-ixArBXbBoiCRw6Ijifp8A3CyllAk7hNT4nt7npqumUwJlR_7RGhrmdrev4SJCZ0EC-SFcYCNWxmybi1XPWJgeHedKt40g0/s1600/Foto+Sisifo_Dario+Aggioli.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmt2N7Qzi5f7JcDbdjybhXQz_oH8-SiteJHwU3Ti9Hk3ga-ixArBXbBoiCRw6Ijifp8A3CyllAk7hNT4nt7npqumUwJlR_7RGhrmdrev4SJCZ0EC-SFcYCNWxmybi1XPWJgeHedKt40g0/s320/Foto+Sisifo_Dario+Aggioli.jpg" width="240" /></a></div><br />
<br />
<b style="color: red;">Teatro Forsennato incontra Florinda Nardi.</b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">Università di Tor Vergata, Aula Moscati. <br />
Due attori siedono sul tavolo della commissione d’esame.<br />
Cadute le barriere didattiche ci ritroviamo in un manicomio: sullo sfondo la figura di Carlo Angela, direttore della casa di cura torinese per malattie mentali “Villa Turina Amione”. E’ qui che durante la dittatura fascista Angela salvò, facendoli ricoverare e insegnando loro a simulare le condizioni dei “veri” malati mentali, un gran numero di antifascisti ed ebrei. I protagonisti sono Enrico - Dario Aggioli- fascista che soffre di autismo, e Ferruccio – Angelo Tantillo - ebreo che finge la follia per eludere le leggi razziali. <br />
<br />
A risposta di una domanda non formulata, <br />
Enrico si alza: sa ciò che deve cantare e sembra goderne. <br />
Faccetta nera..bell’ abissina…<br />
Aspetta e spera che già l’ora s’avvicina! <br />
Godimento autistico e più che mai illusorio di chi si sente finalmente parte di un sistema. <br />
Enrico ha bisogno della “maschera fascista” e sarà Ferruccio, l’ebreo, <br />
a porgergliela come se fosse un gesto quotidiano, abituale.<br />
<br />
Il frammento della nuova produzione di Teatro Forsennato viene presentato al pubblico due volte e interrotto da una discussione tra il regista-attore Dario Aggioli, e il suo compagno di scena. Tra la rappresentazione e la teoria del suo farsi non ci sono tempi morti. La seconda volta si notano il cambiamento e in alcuni casi, le migliorie. Siamo di fronte a un atto performativo meta teatrale molto più esaustivo delle discussioni successive. All’apertura del dibattito vengono comunque chiariti alcuni punti relativi al modus operandi della compagnia: l’utilizzo di un canovaccio autoriale, la pratica improvvisativa, l’inclusione attiva dello spettatore. E’ nel manifesto programmatico di Teatro Forsennato l’intenzione di rivalutare il carattere unico e irripetibile dell’evento spettacolare, a curare il dettaglio del contingente, l’interstizio mutevole del reale. Interessante l’uso della mezza maschera della Commedia dell’arte come strumento di studio da abbandonare lungo il percorso. A tale proposito: i costanti riferimenti alla Commedia all’improvviso, necessari a nient’altro se non ad una sterile categorizzazione, sono sembrati a tratti anacronistici. Nonostante l’utilizzo di alcuni strumenti noti, la volontà della compagnia non sembra certo essere quella di un revival della Commedia dell’Arte, quanto piuttosto il riconoscimento di un metodo utile al proprio lavoro. <br />
<br />
Ma qual è il punto secondo me importante della mezza maschera?<br />
Che togliendosela, l’attore deve finalmente capire che è lui stesso, tutto se stesso, una maschera. <br />
A quel punto sei diventato un attore, un attore vero.<br />
Leo de Berardinis-</div><br />
<b>Francesca Bini</b><br />
<b>Osservatorio critico Roma2</b><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcNtZ1NeHBQB89FeeetUkQFIX7kOz71JbnH7lkwHiqND8wqf1YbO3ERt6QPwW62TiD_UsP5OIQFomBa9aI58azpCr1qyrCR2uttMIgjsrB9VoDmp6zaf6LNX-Lx6zIJjQQbW8qNNsilPc/s1600/dario+aggioli+1.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcNtZ1NeHBQB89FeeetUkQFIX7kOz71JbnH7lkwHiqND8wqf1YbO3ERt6QPwW62TiD_UsP5OIQFomBa9aI58azpCr1qyrCR2uttMIgjsrB9VoDmp6zaf6LNX-Lx6zIJjQQbW8qNNsilPc/s320/dario+aggioli+1.JPG" width="320" /></a></div><br />
<br />
<b><span style="color: red;">TRITOLO&DINAMITE</span><br />
</b>L’han detto. <br />
Forse poi l’han pure fatto.<br />
<br />
Che tremendo risveglio l’interruzione da un sogno che ti parlava come fosse verità.<br />
Han zittito una platea esigua,è vero,ma pur sempre rispettabile.<br />
<br />
Forse no invece,la memoria mi zoppica e a focalizzar ben bene Dario Aggioli e Angelo Tantillo (Teatro Forsennato) il pubblico l’hanno fagocitato.<br />
<br />
E poi gli è toccato scontarla lunga per aver affermato quel che in pochi hanno digerito.<br />
<br />
Un ebreo che fugge morte<br />
dal mirino della sorte<br />
in un’epoca lontana<br />
che esigeva razza ariana<br />
e che fronte ad uno specchio<br />
si trasforma nel soverchio<br />
di sua mente sana e lucida<br />
in un’altra tarda e impudica<br />
che rinchiusa già dov’è<br />
canta “ Viva il nostro Re!”<br />
ben convinto che il regime<br />
sia l’amico da obbedire.<br />
<br />
Lo han detto e poi lo han fatto.<br />
<br />
“ Nei nostri lavori,abbiamo scelto di superare gli psicologismi”.<br />
<br />
“Stanislavskij se n’è andato!”<br />
Questo pare ormai assodato<br />
col suo metodo interiore<br />
che ti suscita il fervore<br />
per un che da recitare<br />
come fossi tu a parlare.<br />
<br />
Cacciavite poco pratico<br />
tanto che ti rende apatico<br />
della voglia d’esplorare <br />
nuovi muri da forare.<br />
Degli avvitatori è l’epoca<br />
non si turbi la poetica<br />
che se il risultato è quello <br />
non fissarti sul fardello<br />
di qualcosa che s’è spento.<br />
<br />
Attenzione platea cara<br />
la notizia non è amara<br />
ma che a voi sia bell’è chiara:<br />
superar NON ignorar<br />
nonostante all’infinito<br />
di grammatica condito<br />
faccia rima con il verbo<br />
che si coniuga alla prima<br />
delle tre la più cospicua.<br />
<br />
E’ paura quel che inganna<br />
la risposta di un programma<br />
che sol vede sulla forca<br />
la sua antica e ordita trama<br />
che sul volto alliscia e chiama<br />
la filosofia d’un mito<br />
che l’Aggioli ha sostituito<br />
con proposte ben nascoste<br />
che non sparano alla storia<br />
ma ne cercano di nuova.<br />
<br />
A tal punto è cosa stanca<br />
la pretesa che v’arranca<br />
di fissarvi sull’idea di saper<br />
se l’ebreo e il folle (che di stile non è molle)<br />
abbian costruito i tipi<br />
sui colori stabiliti<br />
dall’analisi freudiana<br />
che sua gonna fa campana.<br />
<br />
Fuor dal vetro invece un coro<br />
che la psicologia è d’oro<br />
pur mostrando che alle volte<br />
fa da sé la buona sorte<br />
che ti da in eredità<br />
quattro maschere a metà<br />
che col nuovo van riempite<br />
di tritolo e dinamite<br />
per qualcosa da cercare<br />
ma altresì da superare<br />
in quel che chiamano intelletto<br />
dell’attor sotto al berretto<br />
che la psiche è cosa certa<br />
ma superata è l’era di sua scoperta.<b><br />
<br />
<br />
Maria Rita Di Bari</b><br />
<b>Osservatorio critico Roma2</b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-61695907209264151852011-01-11T13:43:00.000+01:002011-01-11T13:43:11.043+01:00OSSERVATORIO CRITICO UNIVERSITARIO - Quinto incontro<b>Quinto incontro - 29 ottobre 2010</b><br />
<br />
<div style="color: red;"><span style="font-size: medium;"><b>NOVO CRITICO 2010 : "1° studio per : DIGERLSELZ"</b></span><br />
<span style="font-size: medium;"><b>Elvira Frosini incontra Massimo Marino</b></span></div><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLbYyYF8vh8toiDcatoO4EgDdKrci4vfefw0Ihw-WXKLUYLW5xbCYkOSfvjitKCVRzAH_gM821jWetI0c-o-8gqlP6sz2UNnYVuZ1VfzemfGOyNQp89JehYY-kN4zhHsV_lc2O5j1QsnY/s1600/ELVIRA+FROSINI+DIGER+PRIMO+ST+1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLbYyYF8vh8toiDcatoO4EgDdKrci4vfefw0Ihw-WXKLUYLW5xbCYkOSfvjitKCVRzAH_gM821jWetI0c-o-8gqlP6sz2UNnYVuZ1VfzemfGOyNQp89JehYY-kN4zhHsV_lc2O5j1QsnY/s320/ELVIRA+FROSINI+DIGER+PRIMO+ST+1.jpg" width="208" /></a></div><br />
<br />
<b><span style="color: red;">UN PRESEPE DIGERIBILE</span><br />
</b><br />
<div style="text-align: justify;">In quale misura dovremmo consentire all’arte di raccontare se stessa ce lo spiega la lecita preoccupazione di un autore che durante la realizzazione del proprio parto artistico si dimostra inadeguato a prendersi la briga di vestire i panni di analista e paziente di se stesso contemporaneamente.<br />
<br />
Quanta importanza accordiamo alle parole postume di un demiurgo che sino al precedente istante era affaccendato ad addomesticare fil di ferro per restituirlo in nastri da ritmica a chicchessia ce lo spiega invece l’insistenza (anche questa più che lecita) di un pubblico critico o meno che ha la necessità incontinente di riempire taccuini mentali con appunti precisi agognando risposte preferibilmente logiche che provengano dalle note narrative di colui che t’ha appena regalato il massimo di quel che avrebbe potuto.<br />
<br />
Quanta sottrazione subisce il simbolo per una smania tutta umana che dia garanzia <br />
d’esaustive spiegazioni,quanti pasti siamo soliti regalare alle audio guide,alle didascalie,ai bugiardini, l’ha smentito Elvira Frosini nell’andamento incerto e multiforme col quale ha viaggiato attraverso il curioso dibattito successivo al primo studio su“Digerseltz”,mostrando e dimostrando che l’opera d’arte non ha padroni e non accetta di essere costretta a dar conto d’interpretazioni definitive.<br />
<br />
Senza risposte <br />
per le aragoste<br />
avanzò l’orecchio alle proposte<br />
spastiche<br />
di sentenze drastiche<br />
che in fila col numeretto<br />
smaniavano in sala d’aspetto<br />
per così dire<br />
giocarsi la briga<br />
d’intervenir con letture votate alla sfiga.<br />
<br />
Ella,<br />
che ironica e baronica<br />
ne plasmò la sostanza<br />
non seppe azzardare<br />
se fosse Pop il pozzo in cui cercare<br />
o canonica la causa<br />
giù nei riposi di santa Costanza.<br />
<br />
Scivolò nelle scarpette<br />
basse, elastiche e nerette<br />
da quei sugheri rialzati<br />
che bei chiodi li han domati <br />
per seder di petto al branco<br />
tolto il crine giallo stanco.<br />
<br />
Domandò a chi l’ebbe vista <br />
quale fosse miglior pista<br />
se d’un personaggio rosa<br />
o d’un coro maschio a chiosa<br />
tutto intento a rovesciare <br />
quel che donna tende a fare.<br />
<br />
Non d’un opera finita<br />
volle messaggiar schermita<br />
ma d’un fare in divenire<br />
che sue trame ha da cucire<br />
che sia d’uopo la platea<br />
nel prestarsi in assemblea<br />
ma d’ellenica visione<br />
non d’un talk per estensione.<br />
<br />
Lei vorace Minotauro<br />
bocca affoga dentro al calco<br />
di ventenni bianco talco<br />
che per vanto di maestà<br />
fatti a pezzi squarterà.<br />
<br />
Cibo a sbafo,a volontà<br />
guarda è lei,la sazietà<br />
che s’attacca alla condanna<br />
di bignè gonfi di panna<br />
al colletto impiegatizio<br />
che gli picchia forte il vizio<br />
di quel pomo ormai ingrigito<br />
ben distorto in un vagito.<br />
<br />
Tutto è scatola di latta<br />
da ingoiare a suon di Ta-ta<br />
perchè divorare è un’arte<br />
pari a una partita a carte<br />
quando arriva l’uomo giusto<br />
via con l’asso piglia tutto<br />
e se in men che non si dica <br />
togli il naso dalle dita<br />
è per dar conto allo specchio<br />
che t’insulta che sei vecchio.<br />
<br />
E se non mangiassi più?<br />
Zitto,arriva Belzebù<br />
che se il bimbo è inappetente<br />
la paura vien che il dente<br />
di un vampiro nel midollo<br />
non poi tanto più indolente<br />
venga a stuzzicarti il collo.<br />
<br />
Quale il ponte e il suo confine<br />
tra il mangiar e il restar fine<br />
quale invece sia l’inganno<br />
dell’onnivoro nell’anno<br />
di questore in breve carica<br />
che sua pancia riempie e scarica.<br />
<br />
Come provocar reazione<br />
della razza in estinzione<br />
che s’ottenebra ingoiando<br />
e che poi lo fa parlando<br />
senza più posar giudizio <br />
sull’andare del suo vizio<br />
di cantar buon compleanno<br />
a una festa benedetta<br />
in cui abbrustolir capretta<br />
tutto questo ben condito<br />
da un cristiano,probo invito.<br />
<br />
In ginocchio una Madonna<br />
d’altri tempi<br />
assai moderni<br />
che l’ha valicato lei<br />
il confine coi plebei<br />
e richiama il bel convivio<br />
d’una cena da spartire <br />
tra lo stomaco e il cervello<br />
che compagni in un ostello<br />
si ritrovan paghi e sazi <br />
della vita e dei suoi strazi.<br />
<br />
Eccolo,il presepe vivente. Parlante. Brulicante d’uffici viziati.<br />
Eccola,la bocca sociale impazzita,confusa tra l’ingurgitare immagini intrise di strutto e la totale astensione dal cibo. <br />
Eccola,la bocca dove i denti del giudizio non hanno più ragione di crescere.<br />
Eccola,la pecora nera barricata sul confine di una pazzia che non si può più sciogliere in un Digerselz.</div><div style="text-align: justify;"></div><b>Maria Rita Di Bari</b><br />
<b>Osservatorio critico Roma2</b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-14022355298536016222011-01-06T15:00:00.008+01:002011-01-06T15:25:18.439+01:00RASSEGNA STAMPA - RIFLESSIONI<div align="justify"><br /><strong>LA CRITICA CHE NON CRITICA<br /></strong>di Alfio Petrini </div><div align="justify"><br />Faccio alcune riflessioni non esaustive sul teatro addormentato nel bosco, non avendo il potere magico di ridestarlo. Sonno della ragione. Sonno del corpo-mente che si fa azione. Sonno del pensiero che si fa sangue e del sangue che si fa pensiero. Il teatro non sfugge a questa condizione, perché è un tassello della grande macchina del paese reale. A questa condizione non sfugge neppure il lavoro critico. </div><div align="justify"><br />In tempi così difficili la bella addormentata trasmigra, lascia la favola e si annida nella realtà quotidiana della <em>polis</em> che non c’è. Quindi anche nel teatro. Se da verbo non si fa carne, non si fa vissuto, non si fa movimento del pensiero e del desiderio, non si fa presente che ipoteca il futuro, il teatro finisce per generare ripetizione, rinuncia, difesa dello <em>status quo</em>, servitù politica e culturale a beneficio del potente o dell’intoccabile di turno. L’uomo di teatro - ma non solo -, crede di essere furbo o di doversi fare furbo, di essere fortunato o sfortunato secondo i casi, e non si accorge di essere caduto in catalessi. Così la stasi somiglia al movimento, la vita alla morte. Così la cultura lobbistica, la protezione politica, l’inazione, l’eliminazione del conflitto e la subordinazione dell’arte alla politica dettano le regole e producono quel mercato che è dichiarato libero, ma che libero non è. Altro che meritocrazia! </div><div align="justify"><br />Il sonno è della drammaturgia esangue, sociologica, ideologica e materialistica, sopraffatta dall’informazione, descrittiva, mimetica. Copia e non trasforma. Pompa sentimenti. Tratta il personaggio non come un lessema, ma come un organismo vivente. Pretende di cambiare il mondo. Insegue il male per suggerire il bene, ignorando che nessun uomo è esente dal male perché lo porta con sé. Eh, già, il male sta sempre fuori di noi! I cattivi, gli imbecilli e gli incompetenti sono sempre gli altri! Bellezza estetica e buone intenzioni non salvano il mondo. Buonismo e moralismo sono la negazione dell’arte, della informazione, della produzione di coscienza critica. </div><div align="justify"><br />Il sonno è la condizione di molta scrittura scenica che non sa entrare nella mente dello spettatore - scuoterlo, provocarlo, indurlo all’attività -, anche per effetto della paura di sbagliare, della precarietà delle fortune improvvisate, delle riforme annunciate a dritta e a manca e mai realizzate. È la condizione che attraversa le centinaia di scuole di teatro e le pagine dei manuali impegnati a formare e informare disoccupati che sognano di ‘esprimersi’, alimentando un mercato fittizio che risponde a pratiche seduttive e corrosive, in un momento storico in cui bisognerebbe avere la possibilità d’imparare a disimparare e di formare gli uomini, non gli attori, i registi o i critici. È la condizione in cui si trova la critica che non critica, perché non crede più in se stessa, perché si è rinchiusa in asfittici recinti, perché si limita a fare raccontini o a confezionare cronache cultural-mondane. E’ la condizione in cui versa la classe politica, che non ha più etica, che invece di cambiare se stessa, pensa a cambiare i cittadini, dimostrando di essere fuori posto e non dedita al lavoro che dovrebbe fare. Un male grave da cui discendono altri mali.</div><div align="justify"><br />Siamo in piena barbarie. </div><div align="justify"><br />Ma attenzione a non ricorrere al vezzo e al vizio dei buoni sentimenti e del bene trionfante sul male. Si può venire fuori dalla barbarie a condizione che sia compresa e non demonizzata, studiata e non condannata con sentenza passata in giudicato, accettata e non rifiutata a priori come cosa che non ci riguarda. Per andare oltre la barbarie bisogna essere barbarici. Bisogna che ciascuno assuma la barbarie in se stesso. Insomma, possiamo superarla, se pensiamo preliminarmente che non sia estranea alla nostra persona, che sia uno dei mondi possibili che ci appartengono - assunto nel vasto mondo interiore -, anche se nella vita quotidiana non abbiamo mai compiuto atti barbarici. Insomma, i barbari siamo noi, sfrenati, eccessivi e licenziosi. Non a-morali, ma immorali. Capaci di confusioni atroci, di errori e di nefandezze infinite, ma anche di visioni, estasi e incantesimi per i quali, però, non proviamo l’ebbrezza dei romantici. Chi si mostra in odore di santità è chiamato progressista, moderno e antibarbaro. Chi ammette di avere la cattiveria in corpo è definito antimoderno, reazionario e barbarico. Il primo tende a vincere sull’altro, il secondo tende a cambiare se stesso. Evviva la barbarie.</div><div align="justify"><br />Sono convinto che se me ne faccio carico, posso ipotizzare di uscire dall’imbarbarimento, un giorno, con qualcosa di nuovo, perché solo dalla barbarie si può uscire con un atto concreto di civiltà e, perché no, di bellezza. Se questo vale, in tutto o in parte, nella vita, figuriamoci nell’arte del teatro e nel lavoro critico. Dunque, la critica non critica per motivi sociali, ai quali ho fatto cenno, ma anche per carenze culturali e tecniche.</div><div align="justify"><br />Non intendo in questa sede affrontare le questioni di carattere tecnico - legate al sapere e al non-sapere -, anche se credo che esistano e che interessino non solo la giovane critica, ma anche quella che avrebbe dovuto essere alternativa ai ‘baroni’. È un’impresa ardua destrutturare uno spettacolo e per farlo in modo originale è necessario andare al di là dei cliché della tradizione immobile: occorrono conoscenze e abilità assai complesse, meglio se suffragate da esperienze consumate accanto ai maestri riconosciuti del fare teatro. </div><div align="justify"><br />Per fortuna non esiste un manuale del buon critico. Il lavoro critico non ha canoni da rispettare. Mi sembra tuttavia che abbia ragione Carla Benedetti (citata da Andrea Porcheddu nel suo bel libro <em>Questo fantasma, il critico a teatro</em>) quando sostiene che bisogna “riaprire le porte al pensiero, porre domande a tutto campo, nominare conflitti e lacerazioni, esplorare, distinguere, approfondire”. Se è vero che la separatezza e l’autoreferenzialità sono un tradimento del lavoro critico, bisogna che la critica si riappropri delle armi che gli sono proprie, ritrovi la funzione sociale nel rendere giustizia al pensiero, lavori sulla memoria e con la memoria per scavare, portare alla luce, cogliere l’invisibile, carpire e capire l’immagine, per destinare al futuro il lavoro fatto sul passato, per separare l’autentico dall’inautentico. Occorre che si liberi dal testo e dallo spettacolo per ritrovare il giudizio critico al testo e allo spettacolo, che sia sereno, non affrettato e legato al velo della superficie. Che si liberi dalle oscillazioni dei gusti e dei disgusti contingenti, dalle predilezioni estetiche e dalla partigianeria ideologica, dalla corsa al mestiere come improvvisazione post-laurea (prima) e dalla metodica della rendicontazione afferente alla cronaca teatrale più che al lavoro critico (dopo). Che si liberi “dalla recensione - scrive Porcheddu - per ritrovare la recensione liberata” da censure e autocensure, riserve mentali e impacciati equilibrismi. Che si liberi, aggiungo, dal vincolo assoluto di oggettività, tenendo in buona considerazione anche il livello della soggettività, se è vero – com’è vero -, che è oggettivamente impossibile raccontare uno spettacolo di teatro. In tal senso penso, paradossalmente, che il miglior modo per fare la critica di uno spettacolo sia di allontanarsene il più possibile con la speranza di poterlo almeno sfiorare. Ripensarlo e rimembrarlo nei dettagli vuol dire proprio lavorare sulla memoria e con la memoria dello spettacolo per destinare al futuro uno scritto al quale riconoscere senza riserve un valore letterario autonomo rispetto al testo e allo spettacolo. Dico un valore letterario autonomo.</div><div align="justify"><br />La conclusione non può che essere inconcludente. La chiacchiera è assordante, il silenzio è vuoto, la dismisura è catalettica. Tuttavia, se è vero che l’uomo morto nasconde fermenti di vita, quelli concernenti la decomposizione del corpo; se è vero che ogni processo degenerativo implica un processo rigenerativo, è ragionevole pensare che il sonno potrà generare il risveglio del lavoro critico addormentato nel bosco. I fermenti ci sono. Mancano le condizioni di fondo del buongoverno, il credito sociale, alcune premesse necessarie a disegnare nuove prospettive di lavoro e la voglia di sentirsi parte di una “comunità”, quella di cui parla Katia Ippaso. </div><div align="justify"><br />Chi avrà il coraggio di affrontare lo stato d’assedio e di rimettersi in discussione? Chi avrà il coraggio di entrare nel merito delle strategie ministeriali tese ad affermare che <em>il</em> teatro è lo spettacolo d’intrattenimento? Chi sarà disponibile a fare la radiografia del dirigismo distributivo, dei covacci del potere clientelare, delle vecchie e nuove rendite di posizione? Chi chiuderà la forbice abissale che si è aperta tra interessi legittimi e interessi illegittimi, tra il pensare <em>altro</em> e il vincere sull’<em>altro</em>? Quale mondo ha preso il sopravvento dentro di noi? Quale mondo possiamo raccontare, se nutriamo un mondo di morte? Quale energia siamo in grado di bruciare, quale scintilla possiamo generare, se il nostro corpo-mente è apparentemente vivo? Come sarà possibile andare al di là dei propri limiti e delle proprie idee, pensare <em>altro altrove altrimenti</em>, attraversare con paura e con coraggio allo stesso tempo i luoghi di senso? Come sarà possibile generare la follia luminosa di cui ha bisogno il mondo? Come sarà possibile dimenticare questo mondo, quando sarà necessario dimenticarlo, e versare lacrime dopo averlo dimenticato? </div><div align="justify"><br />Parlare di teatro vuol dire parlare del mondo. </div><div align="justify"><br />A chi dobbiamo delegare la tutela della nostra immagine e della nostra operatività? A nessuno. Di certo, non alla politica, che insegue - quando va bene -, i bisogni degli uomini, invece di prevenirli. Figuriamoci se può risolvere i problemi di una piccola casta, che appare senza senso in una società votata allo sviluppo che non coincide con il progresso sociale. Nessun principe potrà salvarci. Non c’è bisogno d’interposta persona, tanto meno di maghi o di cavalieri erranti, per ridare concretezza alla nostra utopia. All’orizzonte non vedo un uomo capace di farlo. Anche se ci fosse, non gli delegherei nulla del mio lavoro e della mia vita.</div><div align="justify"><br />Forse bisognerebbe cominciare dal ‘basso’, dalla ‘base’, come si diceva una volta, dal nostro lavoro quotidiano, con coraggio, con determinazione, con la forza che potrebbe derivare dall’essere parte di una “comunità”. “Non sarebbe bello contribuire a fabbricare un nuovo immaginario, presentandoci l’uno all’altro come comunità?”, si chiede la Ippaso nella sua lettera aperta. Sarebbe bellissimo. A condizione che si prenda atto che la critica subisce sia il danno di una forte regressione sociale e culturale del paese sia lo svantaggio dello stato catalettico in cui giace da molto tempo e che la rende estranea ai problemi del teatro e della comunità nazionale. Nessuno può isolarsi. Nessuno può permettersi di sentirsi migliore degli altri, ma nessuno può concedersi il lusso di considerare intoccabili i “baroni che ci hanno mangiati vivi”. I baroni ci hanno mangiati vivi anche perché ci siamo fatti mangiare vivi. Non ripetiamo l’errore e creiamo un coordinamento dei critici. Dalle domande possiamo, di certo, cominciare o ricominciare. Qualunque perdita è buona per ricominciare daccapo, meno la perdita della parola. A essa sono affidate dignità, sicurezza e integrità. Solo in condizione di non precarietà si può ascoltare la vita. Sogni, sacrifici, deliri, dunque, e impudicizie ci vogliono. Purché siano incontenibili. </div><div align="justify"></div><div align="justify"><br /><br />Alfio Petrini</div><div align="justify">Gennaio 2011</div><div align="justify"><a href="http://www.liminateatri.com/">http://www.liminateatri.com</a></div><div align="justify"> </div><div align="justify"></div>Daniele Timpanohttp://www.blogger.com/profile/07743471145171437800noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-89518926590251612882011-01-02T14:41:00.001+01:002011-01-02T14:42:27.492+01:00OSSERVATORIO CRITICO UNIVERSITARIO - Quarto incontro<b>Quarto incontro - 26 ottobre 2010</b><br />
<br />
<div style="color: red;"><span style="font-size: medium;"><b>NOVO CRITICO 2010 : "UNA"</b></span></div><div style="color: red;"><span style="font-size: medium;"><b>Alessandra Sini incontra Rossella Battisti</b></span><br />
<div style="color: black;"><br />
</div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuUHXjdNFRWX0LEZgpQjl31_7tPLmDD3prS8qcU2R84NgHitUjk6aiueIXUkLAXgt6lQLwRne9mSGV9NxAa8YyNKEgKvqGRzBnRvtQmoNFCYLHbCY4xXiUtgfdkZkcCvrEQxGyzKHfArg/s1600/SINI+IMM.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="285" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuUHXjdNFRWX0LEZgpQjl31_7tPLmDD3prS8qcU2R84NgHitUjk6aiueIXUkLAXgt6lQLwRne9mSGV9NxAa8YyNKEgKvqGRzBnRvtQmoNFCYLHbCY4xXiUtgfdkZkcCvrEQxGyzKHfArg/s320/SINI+IMM.jpg" width="320" /></a></div><div style="color: red;"><span style="color: black;"><span style="color: black;"><span style="font-size: medium;"><b><span style="color: red;">Così è, se ti piace</span></b></span> </span></span><br />
<br />
<div style="color: #cccccc;">Non puoi scegliere cosa accadrà</div><div style="color: #cccccc;">Non puoi sapere cosa sarai chiamato a vivere</div><div style="color: #cccccc;">Puoi decidere</div><div style="color: #cccccc;">In che atteggiamento il tuo spirito si disporrà</div><div style="color: #cccccc;">Nei confronti del mondo che ti apparirà innanzi</div><div style="color: #cccccc;">Questo puoi farlo. </div></div><div style="color: #cccccc;">Puoi scegliere se rimanere fuori, provare ad essere l’elemento obiettivo, ma che obiettivo non è, del sistema in cui ti trovi oppure comprendere che all’interno di un sistema di realtà e fantasia tu non sei che una componente variabile e allora abbandonarti a ciò che si scatena sembrerà la soluzione più congrua per immergerti e cercare di cogliere la sostanza di ciò che percepisci. </div><div style="color: #cccccc;">Vista<br />
Udito<br />
Tatto<br />
Olfatto<br />
Gusto </div><div style="color: #cccccc;">Puoi decidere di attivare ognuno di questi sensi, di diventare </div><div style="color: #cccccc;">Istinto puro </div><div style="color: #cccccc;">E di farlo attraverso l’intelletto </div><div style="color: #cccccc;">Puoi prendere tutti gli strumenti che ti vengono forniti e rielaborare le informazioni che ti arrivano, attraverso la tua sensibilità. Non c’è più giusto o sbagliato, corretto o errato. Si innesca un processo creativo sensoriale. </div><div style="color: #cccccc;">Tu<br />
Artista<br />
Si può<br />
Si deve<br />
Essere spettatori ad Arte. Per sé.</div><div style="color: #cccccc;">Ogni cosa è collegata, non siamo un sistema a chiusura stagna. La nostra progressiva disumanizzazione ci porta ad identificarci con gli schiavi che abbiamo creato per noi<br />
<br />
Ad arte<br />
<br />
Le macchine.<br />
<br />
L’uomo è una macchina perfetta!<br />
<br />
No, l’uomo è il più imperfetto, e per questo imprevedibile, robot che si possa immaginare.</div><div style="color: #cccccc;"><br />
Tutto scorre in te in direzioni uguali e contrarie<br />
Dal centro alle periferie<br />
Dalle periferie al centro<br />
La sensazione del bracciolo che tocchi viaggia verso il tuo sguardo che muta il sapore che hai in bocca fino a toccare ciò che odi e a tramutarsi in ciò che annusi<br />
Aria polverosa<br />
Secca<br />
Umida<br />
<br />
Puoi fare qualcosa di tutto ciò che viene fatto di te. </div><div style="color: #cccccc;"><br />
Tutto ciò che ti viene dato può essere trasformato; tu non immagazzini dati, idee, immagini ma sei chiamato a ricostruirli, a tuo gusto, nelle tue possibilità, che nessuno sa quali siano. Per quanto cerchi di far rientrare ogni cosa in una pagina da microsoft excel non sei fatto solo per questo. <br />
<br />
Sei fatto per uscire dalle righe e dalle formazioni.<br />
<br />
Sei fatto anche per reinterpretare <br />
Acquisire e trasformare<br />
Per prendere “Una”, mangiarla, annusarla, guardarla, toccarla, ascoltarla <br />
E trasformarla<br />
Così è, se vi piace</div><div style="color: #cccccc;"><br />
Da profano della danza quale sono non ho che preso le suggestioni dell’artista per ricondurle ad un immaginario che mi era familiare, in un atteggiamento che, mi sembra di aver capito, fosse quello auspicato da Alessandra Sini. <br />
<br />
Incapace di lasciar scorrere pure e semplici emozioni il mio cervello ha costruito una storia intorno alle coreografie della danzatrice, evocando un mondo di donne “prime”, intente alla scoperta del proprio corpo e del mondo circostante; non ho potuto fare a meno di vedere un che di mejercholdiano nella studiatissima goffaggine della Sini e nel suo, per me evidente, ritorno ad una primitività, si potrebbe dire ad una “prima danzatrice”.<br />
<br />
Ciò che mi ha turbato è stato sentire nelle sue parole, durante il dibattito, una sorta di accanimento verso questa danza da cui proviene, quella classica, che mi ha fatto leggere lo spettacolo come una sorta di critica alla danza piuttosto che l’espressione di un’esigenza artistica; ma forse questa impressione è stata anche dovuta alla stretta focalizzazione sulla danza e sul mondo della danza e sulla storia della danza che la critica Rossella Battisti ha tenuto per tutta la durata dell’incontro.<br />
<br />
<b>Gabriele E. </b><b><br />
Osservatorio critico Roma2</b></div><div style="color: #eeeeee;"></div><div style="color: #eeeeee;"></div><div style="color: red;"><span style="color: black;"></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV723dCiZJNQ7q-hJJEDPCCPGXzvVh6P_JbGfGb7S531mnFwawreHmN97z2DPIdwj8ga7BcadfUl6d2sV-QVSe-u6ZmLE8kFk6U2kcbAYCMEL1_DGIEwh3T70VBL1OMVV8U94rW80CSN0/s1600/alessandra+sini.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV723dCiZJNQ7q-hJJEDPCCPGXzvVh6P_JbGfGb7S531mnFwawreHmN97z2DPIdwj8ga7BcadfUl6d2sV-QVSe-u6ZmLE8kFk6U2kcbAYCMEL1_DGIEwh3T70VBL1OMVV8U94rW80CSN0/s320/alessandra+sini.jpg" width="240" /></a></div><br />
<br />
<br />
<b style="color: red;">Statuaria in movimento</b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">“L’arte del mimo è arte del movimento corporeo.<br />
L’arte della danza, pure. /…/<br />
La danza è un’evasione, il mimo un invasione.<br />
Il danzatore non è neppure danzante, è danzato. Non trasporta niente, neanche il proprio corpo; è trasportato dal corpo, che è trasportato dalla danza.<br />
L’operaio, al contrario, comanda a se stesso il movimento che gli è stato comandato. Il ritmo della danza è un vento che la spinge e il ritmo del lavoro è un respiro che il lavoro spinge.<br />
Il mimo fa il ritratto del lavoro, la danza il ritratto della danza, perché chi danza sulla scena, danza al di là del suo bisogno. Quindi soffre. Traduce i movimenti naturali della danza istintiva in movimenti anti-naturali. Quindi soffre. Distende un sorriso sul suo dolore. Ma perché distende un sorriso sul suo dolore, se non in ricordo del suo modello, che è gioia che fiorisce in sorriso?”<br />
<br />
C’è chi, ancora oggi, tende a separare e contrapporre mimo e danza dimenticando forse un po’ troppo rapidamente i contatti e le reciproche influenze dirette e indirette che invece le due discipline sorelle ebbero. Certo, ciascuna nel proprio specifico linguaggio, ma esse non mancarono, e non mancano tutt’oggi, di inseguire tuttavia percorsi di ricerca che, a volte sotterranei, attingono a linfe vitali comuni. <br />
<br />
“A guardar la danza come il teatro<br />
si fa peccato!”<br />
Si sentenzia a voce grande<br />
che per l’aere poi s’espande<br />
la visione in estensione<br />
d’un’arte panoramica <br />
sospesa e assai dinamica<br />
che il cinema ha sfiorato<br />
nel catturar l’ascesi<br />
della sua metacinesi<br />
svelando in movimento <br />
quel che l’atto porta dentro <br />
come casuale trasmissione <br />
di programma in televisione.<br />
<br />
Poi pronto s’alza il Timpano<br />
che squilla quale Zampano/(ò)<br />
e squaglia l’opinione<br />
in spot neurovisione<br />
e ad ascoltarla bene<br />
il riso non si trattiene<br />
nella semplice scoperta <br />
del flash in macchinetta.<br />
<br />
Lui passa tra le nuvole<br />
mirandole ormai stufe<br />
dei mille pollicini <br />
che le scambian per gattini <br />
e dubbioso <br />
e generoso<br />
lui Arsenio <br />
si fa genio<br />
e accoglie la proposta<br />
del ciel che si rivolta<br />
e grida alle sue ciurme<br />
di finirla col multiforme<br />
che una nuvola<br />
chissà<br />
sempre quella rimarrà.<br />
<br />
La danza <br />
è un po’ così<br />
tutti dicono di sì<br />
se lo sguardo s’è riempito<br />
lo spettacolo è gradito<br />
della forma cinestetica <br />
non dia conto la poetica<br />
che soccorre libertà<br />
figlia di curiosità.<br />
<br />
La danza di Alessandra Sini è sembrata la proposta di cogliere e raccogliere dal vaso di una Pandora democratica e freudiana quel che più ricordi all’occhio di colui che scruta la reminescenza atavica di un qualche quid smarrito nel tempo.<br />
Un estratto in cui “Una”, nella realtà della sua completezza, prevede un dialogo fisico costruito sulla presenza di “un’altra”, assente nel contesto odierno, la cui mancanza non stenta a farsi materia lasciando libero il pensiero di guardare al vuoto di una metà che comunque si percepisce quale luogo occupante energia viva. Sua sorella: il completamento di un cerchio che la Sini percorre di fatto, sola, ma sicuramente accompagnata in una gestualità carica di tensione nella ricerca del tassello mancante.<br />
E mi pare di poter dire che nella ricerca di Alessandra Sini, nel suo insistere sulle posizioni richiamanti la statuaria, per esempio, risiede parte del lavoro compiuto dal padre del mimo moderno. In un susseguirsi di posizioni ove la Sini ha marcato l’idea della mobilità dell’immobile, restituendo attraverso la tensione definita di una carne che grazie ad una formazione severa “arriva a fare cose che non tutti hanno la capacità di fare” l’autrice di “Una”, volontariamente o meno, mi sembra abbia riportato in vita quel che Decroux ha tentato di ricamare ad arte sul corpo del mimo, partendo dalla convinzione che la statuaria fosse l’esempio perfetto da seguire e da scavare sulle tensioni e sulle intenzioni fisiche del movimento.<br />
Trovare e restituire una dinamica all’immobilità della materia. <br />
<br />
Nella sua entrata scenica attraverso il primitivismo curvo di una camminata ci si convince che risieda molto più di quel che s’è visto, e viene la curiosità di seguirla ancora nei percorsi atavici trasferiti su chissà quale nuova era. Ma soprattutto venga “il nuovo” che, come la Sini ha cercato di far capire, è stato straziante per lei ricostruire a partire da un corpo segnato profondamente dalle prime esperienze di danza classica, ma che è giunto fino all’indipendenza artistica che ora le dà un voluto, agognato, filo da torcere.<br />
<br />
Mea culpa a nome di tutto dell’osservatorio critico se per “prendere” senza “pretendere” si è scivolati in un silenzio che a posteriori ci si sforza di riempire nella speranza che prosegua un dialogo con tutti gli occhi che, come i nostri, si sono affacciati sul palco dell’Auditorium Universitario per prendere parte attiva a questa preziosa e rara iniziativa.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><b>Maria Rita Di Bari</b><br />
<b>Osservatorio critico Roma2</b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-73347512172451484862010-12-20T14:29:00.004+01:002011-01-06T15:15:49.880+01:00RASSEGNA STAMPA - NOVO CRITICO RIFLESSIONI<h2 class="contentheading"><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><b><a href="http://klpteatro.it/"><b><b><b><b><b><b>KLPTEATRO.IT</b></b></b></b></b></b></a></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></b></h2><h2 class="contentheading">Novo Critico 2010. Riflessioni su un rapporto in divenire </h2><div class="article-tools clearfix"><br /></div><div class="img_caption left" style="FLOAT: left; WIDTH: 290px"><p align="left"><img class="caption" title="Evoluzione" height="290" alt="Evoluzione" src="http://www.klpteatro.it/images/stories/2010/pulcino.jpg" width="290" align="left" border="0" /></p></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"><br /> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"> </div><div style="TEXT-ALIGN: justify"><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br />Non è facile fare un punto della situazione. Abbiamo seguito <a href="http://novocritico.blogspot.com/" target="_blank" rel="nofollow"><b>Novo Critico 2010 </b></a>e su queste pagine ne avete avuto testimonianza. Dall'incontro conclusivo, ma non solo da quello, è emerso come certe correnti mosse da questo ricco evento abbiano raggiunto la foce in modo netto, senza disperdersi, arrivando a regalare una consapevolezza chiara a quanti ne abbiano preso parte come animatori o semplici osservatori.<br /><br />Per due mesi interi dieci compagnie/artisti hanno incontrato altrettanti critici/studiosi: un campione rappresentativo per definire le linee di condotta di un rapporto ancora tutto da comprendere. L’incontro conclusivo ha visto alcuni dei partecipanti tornare sul palco a ricapitolare una sensazione di meraviglia nei confronti di quanto viva sia questa generazione di artisti e critici. Oltre a <b>Elvira Frosini</b> e <b>Daniele Timpano</b>, ideatori della manifestazione e padroni di casa, sono tornati<b> Graziano Graziani</b>,<b> </b><b>Antonio Audino</b>,<b> Claudia Cannella</b>,<b> Katia Ippaso</b>,<b> Massimo Marino </b>e<b> Andrea Porcheddu</b>: tutti critici di una generazione avanti a noi, intervenuti parlando di quanta voglia di fare abbiano i giovani, di quanto desiderio ci sia di sperimentare. Sul lato della cosidetta "critica" si parla di un nuovo modo di scrivere, di un nuovo modo di comunicare, di nuove motivazioni, di nuove tecnologie, di nuovi target. E ben venga.<br />Eppure è forse un rischio vedere ovunque una novità. O comunque cercarla. Questo lo si impara sul campo, frequentando sale e foyer, in cui non sempre il nuovo coincide con il buono, in cui le riflessioni vincenti (e per vincenti si intende che progrediscono, che evolvono davvero, che non muoiono sulla porta del teatro) sono figlie dell’intraprendenza, della comunicabilità, ma non per forza del “mai visto prima”. Forse sarebbe utile accettare il cambiamento (di contenuti, di mezzi, di pratiche) non come qualcosa di straordinario ma di naturale. Stupirsi e compiacersi di una critica che usa altri mezzi, che “milita” in un modo nuovo sarebbe come stupirsi di un fuoco che si accende girando una manopola senza bisogno della pietra focaia.<br /><br />Ecco perché scrivo qui di un rapporto “ancora tutto da comprendere”. Perché, come spesso accade, ancora prima della teoria, compare una questione di terminologia e di vissuto. Una questione di drammaturgia, se vogliamo. A mio parere, se una definizione univoca che inquadri la critica contemporanea non è semplice da formulare, non è neppure auspicabile. Potremmo davvero stare a discutere mesi su quali siano i ruoli, quali i compiti, quali i materiali, quali i metodi. Inciamperemmo fatalmente in quella terminologia che, anni fa, decise che la parola critico dovesse riferirsi a qualcuno che faceva da censore.<br />Che il critico (lo chiamiamo così per praticità e sintesi) abbia smesso di fare il bello e il cattivo tempo lo sappiamo già da un po’; il punto sta forse nel capire se il critico sia nella posizione di offrire un ombrello o una sdraio da sole da contrapporre a quel tempo. Se cioè, una volta capito che possiamo accendere il fuoco con la manopola, abbiamo ancora qualcosa di commestibile da cucinare. E qui entra il gioco il vissuto: la realtà della critica e del pubblico, che il teatro lo guardano, è molteplice, così come lo è quella di chi il teatro lo fa. Figlia di una territorialità che va difesa, tenta di fuggire una definizione, chiama un raro modello di autonomia condivisa.<br /><br />Proviamo a immaginare il migliore dei mondi possibili, in cui artisti e pubblico sono personalità che sperimentano. Se il linguaggio di chi fa teatro si rinnova di continuo, tenta di mettersi sempre alla prova, di raccontare il proprio tempo intessendo sintesi artistiche non necessariamente nuove, ma piuttosto personali, allo stesso modo è affascinante immaginare un pubblico altrettanto dinamico, un “punto di vista”. Allora sarebbe splendido pensare a creatività che continuino a cercare il proprio centro, rifuggendo una definizione univoca e andando a presentare questa stessa ricerca come un fatto dinamico, come un conflitto, nei confronti del quale il punto di vista possa porsi come agente che reagisce, come spunto, come gancio. Se fosse davvero così, anche la critica avrebbe un proprio ruolo, un ruolo ancora una volta dinamico, vivo, indefinito ma solo perché sempre pronto alla discussione, fermo sul pezzo. Quindi mobile.<br /><br />Ma questo è il migliore dei mondi possibili. Stiamo immaginando. Eppure, se si parla con gli artisti com'è accaduto durante Novo Critico, in mezzo alle giustissime lamentele per una politica (e una pratica) culturale inesistente, s’infila una sorta di rivendicazione: laddove si tenta di definire qualcosa si incontra il muro di gomma della “ricerca”. Ed è giusto così, soprattutto dove si intravede un percorso, dove l’istanza compare, dove la passione porta a mettersi alla prova. E allora proviamo a rivendicare lo stesso diritto.<br />Novo Critico è nato e cresciuto con l’intento di creare dei raccordi, non necessariamente degli accordi. È stata una torre di controllo in grado di chiarire le rotte di molti attraversamenti. Krapp è stato testimone di questi momenti di incontro, di dialogo. Ha registrato le questioni sorte come onde di un sismografo. Il risultato è che il dibattito sul ruolo della critica è ancora vivo, ora più che mai. Negli interventi dei nomi sopracitati (<a href="http://novocritico.blogspot.com/2010/12/lettera-aperta-di-katia-ippaso.html" target="_blank" rel="nofollow"><b>leggi la lettera aperta di Katia Ippaso</b></a>) si parla di teatro come “pensiero in movimento”, di scrivere come “conoscere”, della volontà di confrontarsi ancora tra artisti, critica e pubblico. Addirittura, all’interno della critica, di arrivare a un vero e proprio confronto generazionale.</div><br />Come accade in ogni momento figlio di una crisi totale, radicale, materiale, ora certe possibilità si stanno facendo concrete. Sono le possibilità non tanto della critica, ma del pensiero critico, qualcosa che appartiene a tutti i lati di un vivere vigile. E se qualcosa si sta muovendo è grazie sì all’impegno di “giovani critici” e di “meno giovani critici”, ma molto di più grazie al semplice fatto che le cose evolvono. Soprattutto in situazioni di emergenza globale, politica, etica (che altri hanno analizzato a dovere). Perché le energie si rimescolano, tornano a vibrare.<br /><br />A volte sembra invece che la critica sia più importante dell'arte; o che i critici dettino le regole del gioco, facendo accendere le luci in sala. Ma se i fari sono puntati su qualcuno non dev'essere - crediamo - sulla critica in senso stretto. E spesso qualcuno, foss'anche in buona fede, pare scordarsene.<br />Trattare un’energia come qualcosa di straordinario non è sempre l’atteggiamento migliore, se si vuole che quell’energia produca qualcosa. Pensiamo ai contenuti, alle modalità, alle sinergie. Il grande cambiamento di questi mesi “sta essendo”, direbbero gli inglesi, nel contatto, nell’incrocio, nel confronto. “Non dobbiamo essere per forza d’accordo sulle idee, ma almeno stringiamoci attorno a delle idee che siano tali”.<br />Il nostro lavoro è stato di registrare quei battiti di senso e discussione, amplificandoli affinché tramite mezzi adeguati possano raggiungere anche chi non era presente negli incontri a Kataklisma, a Tor Vergata o al Kollatino Underground. Allora è qui il nostro senso. Stiamo raccontando. Conservando la passione ma osservando una giusta distanza, quella della prospettiva, per comprendere sempre meglio e soprattutto senza dare mai per scontato nessun ruolo.<br /><div style="TEXT-ALIGN: justify">Quella della critica è una materia che cambia, che si trasforma. A noi interessano la ricerca e la differenza che possiamo fare in un percorso di conoscenza, approfondimento, presenza. E dunque evoluzione. Questa è cultura.</div><br /><b>Sergio Lo Gatto</b><br /><b>11 dicembre 2010</b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-39621429445552952782010-12-20T14:29:00.000+01:002010-12-20T14:29:08.348+01:00RASSEGNA STAMPA : DECIMO INCONTRO - da Teatroecritica.it<h2 class="contentheading"><a href="http://www.teatroecritica.it/" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjr6g7vxO9dfovhIcUFTbz-MnUSwzywTWQBvC1PohMPTiQymO18nmnZemqJeJjrpuT__lIBB8hWZHy8hCE38DBDqelOhKHaVMmwnpCqVIGB_EV2YTZT4rJT8AAQPN8x_uMJfcSD-TfHA4/s1600/logoTEATRO+E+CRITICA.png" /></a></h2><h2 class="title">Epica, Etica e Pop – <i>manovre di uscita dalla post-modernità tra letteratura e teatro.</i></h2><ins style="border: medium none; display: inline-table; height: 60px; margin: 0pt; padding: 0pt; position: relative; visibility: visible; width: 468px;"></ins><br />
<div style="text-align: justify;"><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/oneday-titivillus/" rel="attachment wp-att-17838"><img alt="" class="alignleft size-medium wp-image-17838" height="300" src="http://www.teatroecritica.net/wordpress/wp-content/uploads/2010/12/oneDay-Titivillus-197x300.jpg" title="oneDay Titivillus" width="197" /></a>A fine novembre, al Kollatino di Roma, in occasione dell’ultimo appuntamento di Novo Critico, l’Accademia degli Artefatti ha presentato in lettura alcune scene tratte da «One Day», lo spettacolo di 24 ore che doveva debuttare nel 2008 al festival Romaeuropa ma che, a causa di problemi produttivi, non ha mai visto la luce. Nonostante non sia stato portato a termine, per il regista Fabrizio Arcuri «One Day» resta il miglior pezzo di teatro realizzato dalla sua compagnia, perché era “nato per testimoniare l’assoluta inadeguatezza del sistema” e coerentemente è stato “abortito per mano di questa inadeguatezza”. In effetti «One Day» aleggia come un fantasma sulla attuale situazione di dismissione di spazi e finanziamenti che sta minando il sistema teatrale italiano, perché ne è stato forse il primo concreto campanello d’allarme, e gode per tanto oggi di una luce quasi “mitica”.</div><div style="text-align: justify;">È inutile cimentarsi in una recensione di uno spettacolo mai andato in scena, di cui sono state presentate solo alcune parti e per di più in lettura. Sarebbe una restituzione necessariamente parziale, visto che «One Day» è un’opera-mondo estremamente complessa, che avrebbe dovuto ospitare al suo interno altri spettacoli, e che proponeva diversi piani di realtà e filoni di storia in un intreccio elaboratissimo: dal rapimento di un bambino rumeno alla parabola del pupazzo Dolly Bell che raffigura un coniglio ceceno (ma Dolly Bell è anche tante altre cose…), dalle performance live dei Kiss – il gruppo preferito del bambino, ma anche l’icona esemplare della riproducibilità pop, qui accostata addirittura all’opera di Pechino – alle avventure del pornoattore Tito, passando per le maglie noir di un affare di traffico d’organi. E questo è solo un assaggio della drammaturgia elaborata da Magdalena Barile a partire dalle idee di Fabrizio Arcuri e dalle improvvisazioni dei suoi attori – oggi raccolta in un libro uscito di recente per Titivillus.</div><div style="text-align: justify;">Tuttavia l’operazione di «One Day» può fornire uno spunto di riflessione interessante per leggere una tendenza che si sta delineando nel teatro internazionale. «One Day», come «Spara/Trova il tesoro/Ripeti» – i diciassette pezzi scritti dal drammaturgo inglese Mark Ravenhill e messi in scena sempre da Arcuri – o come la teatronovela di Rafael Spregelburd «Bizarra», la cui versione italiana realizzata da Manuela Cherubini è attualmente in scena all’Angelo Mai di Roma, sono tutti esempi di utilizzo di una forma insolita per il teatro: il ciclo<sup><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote1sym" name="sdfootnote1anc"><sup>1</sup></a></sup>. Insolita perché la perenne crisi in cui versa il teatro ci ha abituati a spettacoli sempre più piccoli, con pochi attori quando non uno solo, con scenografie ridotte o inesistenti, insomma un teatro “tascabile” da poter spostare facilmente e a poco prezzo (con l’unica deroga del teatro che lavora sulla visione e intercetta circuiti che si intersecano con l’arte visiva).</div><div style="text-align: justify;">Il ciclo non è semplicemente uno spettacolo più lungo – altrimenti dovremmo includere in questo ragionamento anche operazioni come quella di Peter Stein con «I demoni» – o una forma che straborda dai confini abituali del teatro. Certo, sia in «One Day» che in «Bizarra», ad esempio, la scelta di realizzare uno spettacolo fuori scala, fuori misura, è anche una sfida diretta a un sistema teatrale (nel caso italiano) e a una congiuntura economica (nel caso argentino) che sembrano voler comprimere il teatro in modo irrimediabile. Ma la forma del ciclo ha anche delle implicazioni drammaturgiche particolarmente interessanti, che danno il segno di un tentativo di smarcarsi dall’estetica del frammento che ha caratterizzato la stagione del post-modernismo senza però tornare pedissequamente a una messa in scena di tipo classico.</div><div style="text-align: justify;">Il ciclo ha a che vedere con l’epica, ne è anzi la sua forma classica, e l’epica è certamente presente in tutte queste opere, che nella loro complessità presentano diversi tratti tipici del racconto epico. A sorpresa, nell’epoca della comunicazione rapida e di superficie, sembra sia proprio il racconto epico, con la sua stratificazione e il suo tempo di fruizione decisamente superiore allo standard abituale, a suggerire una possibile via di uscita dal post-moderno, dalla sua frammentazione, dalla sua negazione del racconto in favore di un’opera aperta dalle letture molteplici e tutte egualmente valide. D’altronde se uno dei pilastri delle teorie sulla post-modernità era proprio la fine della storia – e il concetto elaborato da Francis Fukuyama altro non era se non l’attestazione dell’impossibilità di riprendere un racconto epico della storia contemporanea dopo il crollo del comunismo e la messa in discussione dell’ideale di matrice marxista del progresso come motore della storia –, per converso è proprio con l’epica che la storia inizia. Perché è l’epica l’unico genere in grado di partorire i miti fondativi su cui si ergono le grandi narrazioni.</div><div style="text-align: justify;">Qualcosa del genere l’ha intuito negli stessi anni la letteratura, che proprio nell’ultimo decennio ha cercato di uscire dall’empasse in cui si era cacciata tempo prima, messa alle corde da un minimalismo più di idee che stilistico. Nel nostro paese si possono ricordare operazioni come i «Canti del Caos» di Antonio Moresco, mentre la New Italian Epic – termine proposto nel 2008 da Wu Ming 1 per circoscrivere un’insieme di autori e opere letterarie uscite a nell’arco che va dalla seconda metà degli anni Novanta al primo decennio del nuovo secolo<sup><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote2sym" name="sdfootnote2anc"><sup>2</sup></a></sup> – è oggi una categoria che anima con forza il dibattito letterario. Anche se questa definizione prende in considerazione romanzi di ambientazione storica o metastorica, è possibile proporre un parallelismo di fondo, magari spurio, con quanto avviene nel teatro dove invece l’ambientazione è rigorosamente legata al presente e addirittura all’attualità. In entrambi i casi, comunque sia, si cerca nell’epica il meccanismo in grado di riattivare gli stanchi meccanismi della narrazione, la scintilla in grado di “avvincere” il lettore/spettatore, come si dice.</div><div style="text-align: justify;">Facciamo subito due precisazioni. La prima è che l’epica, nonostante sia una parola che affascina, una parola “euforica” che evoca vastità di orizzonti, grandezza di scrittura e d’impresa – per usare una definizione della critica letteraria Carla Benedetti<sup><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote3sym" name="sdfootnote3anc"><sup>3</sup></a></sup> – non è necessariamente intrisa di etica. Ai suoi meccanismi sono ricorsi anche – e ben prima di teatro e letteratura – gli sceneggiatori televisivi statunitensi, tanto che le loro serie tv sono il principale prodotto di intrattenimento di questi anni. Ovviamente con ciò non voglio affermare che le serie tv siano necessariamente portatrici di contenuti non etici, ci mancherebbe; ma è giusto sottolineare che la capacità di rifarsi all’epica e ai suoi meccanismi appartiene anche ai prodotti commerciali di intrattenimento (per altro il più delle volte sono prodotti di ottima fattura e che si avvalgono di sceneggiatori di alto livello). D’altronde stiamo parlando di una “forma”, per quanto complessa essa sia e per quanto in campo estetico la forma sia anche portatrice di sostanza; e le forme hanno un valore limitato nel tempo e nell’utilizzo che se ne fa: se servono a scardinare convenzioni e illuminare percorsi di ragionamento sul mondo che ci circonda – a spostare continuamente l’oggetto, dice Fabrizio Arcuri<sup><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote4sym" name="sdfootnote4anc"><sup>4</sup></a></sup>, affinché forma e oggetto non sclerotizzino il loro rapporto svuotandolo di senso – hanno un valore contiguo a quel valore sociale che riconosciamo all’arte piuttosto che all’intrattenimento. «A volte le rivoluzioni passano per l’invenzione di nuove forme», dice Rafael Spregelburd in un’intervista pubblicata da Lo Straniero<sup><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote5sym" name="sdfootnote5anc"><sup>5</sup></a></sup>. Ma, appunto, in questo caso il valore rivoluzionario sta tanto nella forma quanto nell’atto dell’inventare.</div><div style="text-align: justify;">Seconda precisazione: la vera colpa della post-modernità, dal punto di vista delle forme estetiche che ha espresso, sta nel fatto che a causa della sua formulazione apocalittica queste si pretendono implicitamente come un orizzonte estetico definitivo e impossibile da superare (anche se allo stesso tempo inneggiano al perseguimento del “nuovo”, categoria mitizzata e spesso equivocata). Inoltre, se e quando queste forme estetiche vengono praticate in nome di una critica-denuncia della realtà coatta della post-modernità stessa, esse risultano spesso troppo contigue all’oggetto della propria critica, rendendo di fatto impossibile distinguere tra “adesione” e “denuncia” (per altro in perfetta coerenza con la post-modernità dove tutto e il contrario di tutto collassa nel buco nero di uno stesso orizzonte senza possibilità di futuri eventi: forse, da questo punto di vista, quella sulla post-modernità è l’unica teoria filosofica e sociologica ad essere contemporaneamente apocalittica e integrata). Insomma, come si fa a dire se siamo “contro” o “a favore”? Come possiamo sapere, dentro questo quadro, se l’arte ha talmente abbassato la sua voce da farla confluire in quel “raffinato silenzio” che è la confusione mediatica – secondo una felice espressione di Ascanio Celestini – o se invece sta gridando a gran voce? Non è dato saperlo, perché nel mare magnum della post-modernità non c’è più un fuori o un dentro, e porre simili questioni equivale a disquisire del sesso degli angeli…</div><div style="text-align: justify;">Ovviamente non è vero che non sia possibile distinguere il grano dal loglio, né per altro il fatto di prendere posizione può essere ridotto a un atteggiamento da stadio basato sul pro e contro. Le sfumature esistono, e spesso è da esse che le contraddizioni emergono non come elemento di confusione, ma come forma di illuminazione. Per questo, accanto alle due precisazioni fatte nel paragrafo precedente, e conseguentemente ad esse, va notato che queste forme di epica – quelle teatrali come quelle letterarie – non hanno alcun problema a dialogare con un altro ingrediente cardine delle pastoie della post-modernità e della loro pretesa di confinare il reale in un eterno presente, un presente espanso immemore del passato e che non prevede il futuro: il Pop.</div><div style="text-align: justify;">Il filosofo Maurizio Ferraris, in un recente articolo<sup><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote6sym" name="sdfootnote6anc"><sup>6</sup></a></sup> apparso su La Repubblica, scrive che il post-moderno può essere sintetizzato in tre parole di undici lettere in tutto: Iper Pop Post. «l’Iper come valutazione positiva dell’eccesso e come rifiuto della misura, il Pop come miscela di alto e basso nel sistema dei media, e soprattutto il Post, l’idea di essere postumi, di venire dopo», scrive Ferraris.</div><div style="text-align: justify;">Certamente il ricorso all’epica cerca di lasciarsi alle spalle il Post: la rivendicazione è portata avanti con forza da parte di questi artisti, tanto che Fabrizio Arcuri di questo ragionamento ne fa un <i>fil rouge</i> che attraversa esplicitamente la complessa stratificazione di «One Day»; mentre l’Institute of Germanic and Romance Studies dell’Università di Londra ha deciso di intitolare la pubblicazione degli atti di due conferenze sulla New Italian Epic in modo emblematico: “Overcoming Postmodernism”. Ma l’Iper e il Pop? Sono elementi costitutivi tanto della teatro-novela di Rafael Spregelburd o della maratona di «One Day», quanto di romanzi metastorici come «Q» di Luther Blissett (il precedente nome collettivo del gruppo di scrittori oggi noto come Wu Ming) o di scritture debordanti come «I canti del caos». Tutti questi oggetti artistici sono “eccessivi”, e tutti si immergono volentieri nell’oceano del Pop e ne fanno un elemento di fascinazione. Questo vuol dire che la loro voce si unisce al raffinato silenzio della confusione mediatica?</div><div style="text-align: justify;">Impossibile dare una risposta univoca, in grado di fornire una qualche equazione di portata generale. Alla fin fine – ed è un bene! – sono sempre le opere a parlare per se stesse, e non le teorie. Però si può azzardare un’ipotesi di massima, e cioè che quando il ricorso all’Iper e al Pop è di matrice esclusivamente seduttiva, esso si situa sulla frequenza del rumore di fondo, del raffinato silenzio della confusione mediatica. Se invece tale ricorso costituisce sì una fascinazione, ma che ha il compito non di sedurre, bensì di aprire squarci di riflessione sul presente, allora esso si colloca in una frequenza diversa, dove le parole sono distinguibili, e i loro significati, anche se presentano sfaccettature molteplici, sono certamente lontani dall’essere ambigui.</div><div style="text-align: justify;">In questo quadro mi sembra che, a prima vista, il teatro dei cicli e dell’epica contemporanea presenti qualche anticorpo in più rispetto a un fenomeno come la New Italan Epic. Nella letteratura il ricorso all’epica è sì un tentativo riuscito di recuperare un più ampio respiro a una narrativa che sembrava destinata ad avere il fiato corto; ma la narrazione mantiene un grado di finzionalità decisamente elevato, dove da questo punto di vista l’epica non è altro che il nuovo patto comunicativo tra chi scrive e chi legge, nient’altro che la “forma in voga”. Certo, poi questa forma può essere utile per tornare a mettere sul piatto della letteratura tematiche importanti e di più ampio respiro – ad esempio il “destino dei popoli”, secondo Wu Ming – ma è spesso anche un meccanismo strumentale che utilizza la forma in modo seduttivo, ed è quindi a forte rischio di retorica. Nelle arti che utilizzano la parola questo rischio si materializza di solito quando si è convinti, in modo più o meno manifesto, della superiorità del contenuto rispetto alla forma; mentre è il rapporto osmotico tra forma e sostanza a far scaturire l’alchimia necessaria affinché un oggetto d’arte parli davvero a chi lo fruisce. Non sto ovviamente affermando che l’intero corpus di romanzi citati da Wu Ming 1 nel suo saggio siano retorici, tutt’altro; ma che la loro finzionalità, il loro “crederci”, il loro ricorso all’epica per sentirsi epici, resti un limite – per altro un limite strutturale, visto che la narrativa è prevalentemente “fiction” – all’equazione “epica uguale recupero di un possibile discorso sul mondo”. Non dico che questa equazione non sia possibile, semplicemente che non è automatica. Perché manca un aspetto fondamentale per la letteratura, il terzo vertice del triangolo che poggia sull’asse forma-sostanza e che è forse l’elemento più importante: la lingua. È la lingua dello scrittore, il suo stile, a far sì che il patto comunicativo non resti mera seduzione ma produca uno spostamento dello sguardo del lettore sul mondo; e non a caso è proprio la lingua il grande rimosso della letteratura nell’epoca della post-modernità, è lo stile ad essere finito sul banco degli accusati per il fatto di costituire un ostacolo naturale alla comunicazione. Da questo punto di vista un esperimento straniante come «I canti del caos» di Moresco mi sembra un ricorso all’epica più complesso e riuscito.</div><div style="text-align: justify;">Nel teatro la questione corre su un altro binario. Perché la riflessione sulla finzionalità è esplicita e irrinunciabile, è praticamente il rovello di ogni teatrante da quando esiste il teatro. E il tema della realtà e della finzione è intimamente connesso alla natura stessa del medium teatrale. Una buona fetta delle ultime generazioni teatrali italiane – a prescindere dal fatto che utilizzino o meno il genere epico – hanno declinato, in varie forme estetiche, un’urgenza comune: l’urgenza di scardinare in vari modi i meccanismi della comunicazione, di mostrare in scena il giocattolo rotto, spaccato, per poterne mostrare il funzionamento<sup><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote7sym" name="sdfootnote7anc"><sup>7</sup></a></sup>. Il capitale che il teatro si porta dietro, in questa riflessione, è la messa in discussione dell’idea di “rappresentazione” (in quanto elemento di finzione) che ha agitato le acque del dibattito teatrale praticamente durante tutto il Novecento. Il risultato – come a sottolineato Andrea Porcheddu durante l’incontro su «One Day» – è che oggi ad esempio è possibile assistere a spettacoli, in tutta Europa, che recuperano meccanismi di racconto e “messa in scena” ma che allo stesso tempo presentano quel fenomeno, mutuato dalla performing art, della “scomparsa del personaggio” (ovvero quando gli attori stanno sulla scena in quanto se stessi, e non perché stanno cercando di materializzare uno specifico personaggio). E questa coesistenza – al contrario di quanto avverrebbe in letteratura, dove si finirebbe subito nel campo nell’esperimento metaletterario – non dà all’opera un alone di metateatralità. Al contrario, recupera il patto comunicativo con lo spettatore sulla base del fatto che assieme a lui l’attore smonta la comunicazione abituale e i suoi meccanismi.</div><div style="text-align: justify;">Tornando a quel teatro che sta facendo ricorso al ciclo e all’epica, esso pur immergendosi nelle acque agitate del Pop si porta in dote questa complessa e inesauribile riflessione dell’arte teatrale sulla finzionalità. L’essere obsoleto del medium teatrale, rispetto ad una post-modernità fatta di ipermedia digitali, fa sì che il posticcio della costruzione mediale della realtà sia in teatro sempre presente ed esplicito: gli attori (e dietro di loro i registi) devono costantemente interrogarsi su cosa dia loro il diritto di stare in scena, ovvero su cosa consenta loro di essere credibili di fronte a chi li sta a guardare. Non possono richiamarsi a un patto comunicativo che gioca sull’immedesimazione per così dire “immersiva” (come nel cinema, ad esempio, o nella letteratura), perché lo spettatore non è da solo davanti all’opera teatrale: ne è invece egli stesso una parte, perché senza lo spettatore il teatro non può fisicamente avvenire. Il grado zero del teatro è sempre e comunque l’incontro (anche fisico) tra esseri umani, tra spettatore e attore, e se c’è immedesimazione essa deve necessariamente passare per le dinamiche dell’incontro e del dialogo, del mettersi in relazione. Si tratta di un dato pratico che ha però un valore semantico preciso. Un aspetto del teatro che fa il palio a quanto afferma il regista Massimiliano Civica a proposito dell’autoralità in teatro: «Il regista e gli attori diventano un multinarratore che racconta al pubblico e si determina qualcosa che travalica la comprensione del singolo per dar luogo a un terzo. Chi l’autore di uno spettacolo teatrale? Secondo me nessuno: a teatro è sempre un terzo magico che parla ed è costituito dalla relazione<sup><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote8sym" name="sdfootnote8anc"><sup>8</sup></a></sup>». Se a questo ragionamento aggiungiamo il terzo vertice del triangolo che dà vita a uno spettacolo, e cioè il pubblico e la sua percezione, possiamo immaginare il teatro come qualcosa che si manifesta in un luogo ipotetico che è l’intersezione dove tutti questi soggetti si incontrano. Se vogliamo, da questo punto di vista, il teatro è un’arte decisamente più concettuale di tante altre arti.</div><div style="text-align: justify;">La scelta del ricorso all’epica e al ciclo, allora, non essendo alla base del patto comunicativo del teatrante con lo spettatore, non rischia di invischiarsi in un meccanismo retorico del quale si tenta uno smontaggio costante – almeno in un certo tipo di teatro. L’epica si delinea quindi come il tentativo di invenzione di una linea narrativa complessa e stratifica, che tuttavia non giustifica di per sé l’operazione teatrale, semplicemente perché è “di grande respiro” o “ben fatta”, come una serie tv, ma perché inventa una forma nuova dal potenziale “rivoluzionario” nel senso espresso da Spregelburd.</div><div style="text-align: justify;">Ciò vuol dire che nel teatro il ricorso all’epica è un fatto positivo e non lo è nella letteratura? Ovviamente non si può porre la questione in modo manicheo. Come ho già affermato le opere, siano esse di teatro che di letteratura, si possono giudicare solo per ciò che valgono e non per l’adesione ad una teoria piuttosto che ad un’altra – e per fortuna. Credo però che il ricorso all’epica non possa delinearsi come fatto virtuoso in sé – “etico” nell’accezione proposta prima – se non affronta il suo stretto legame con un alto dei vertici del triangolo della post-modernità: il Pop.</div><div style="text-align: justify;">Che poi l’epica possa essere considerata il nostro pass per la fuga dalla post-modernità è tutto da verificare. Non può allontanarsi dall’Iper senza negare se stessa, e difficilmente rinuncerà al Pop perché è la carta che gioca per avvincere lo spettatore/lettore. Nella sua negazione del Post, tuttavia, disegna un orizzonte più vasto verso cui guadare che già permette di respirare meglio, di annusare un’aria meno viziata. E non è cosa da poco.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><b>Graziano Graziani</b><br />
<b>10 dicembre 2010 </b><br />
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<div id="sdfootnote1"><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote1anc" name="sdfootnote1sym">1</a> <span style="font-size: xx-small;">Per altro Rafael Spregelburd è autore anche di un altro ciclo, la «Eptalogia di Hieronymous Bosch», uscita in Italia in due volumi per Ubulibri, a cura di Manuela Cherubini.</span></div><div id="sdfootnote2"><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote2anc" name="sdfootnote2sym">2</a><span style="font-size: xx-small;"> Wu Ming «New Italian Epic», Einaudi Stile Libero 2009.</span></div><div id="sdfootnote3"><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote3anc" name="sdfootnote3sym">3</a><span style="font-size: xx-small;"> «Free Italian Epic» di Carla Benedetti, articolo apparso su www.ilprimoamore.com l’11 marzo 2009 e, in forma ridotto e col titolo «Stroncatura epica», su L’Espresso n°10 del 12 marzo 2009.</span></div><div id="sdfootnote4"><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote4anc" name="sdfootnote4sym">4</a><span style="font-size: xx-small;"> Il riferimento non è a un testo scritto, ma a l’intervento che ha fatto il regista dell’Accademia degli Artefatti a Novo Critico in occasione della presentazione di «One Day».</span></div><div id="sdfootnote5"><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote5anc" name="sdfootnote5sym">5</a><span style="font-size: xx-small;"> «Teatro e Telenovela», intervista di Graziano Graziani a Rafael Spregelburd, da Lo Straniero n°126-127 – dicembre 2010 / gennaio 2011.</span></div><div id="sdfootnote6"><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote6anc" name="sdfootnote6sym">6</a><span style="font-size: xx-small;"> «Siamo ancora postmoderni?» di Maurizio Ferraris, articolo apparso su La Repubblica del 19 giugno 2010.</span></div><div id="sdfootnote7"><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote7anc" name="sdfootnote7sym">7</a><span style="font-size: xx-small;"> Vedi a questo proposito il saggio «La realtà allo stato gassoso. Uno sguardo ai teatri degli anni Duemila» di Graziano Graziani, in corso di pubblicazione in forma di articolo su www.altrevelocita.it a dicembre 2010.</span></div><a href="http://www.teatroecritica.net/2010/12/epica-etica-e-pop-%e2%80%93-manovre-di-uscita-dalla-post-modernita-tra-letteratura-e-teatro/#sdfootnote8anc" name="sdfootnote8sym">8</a><span style="font-size: xx-small;"> Massimiliano Civica intervistato da Attilio Scarpellini, in «Sogno nella notte dell’estate» di William Shakespeare nella traduzione di Massimiliano Civica, a cura di Attilio Scarpellini, Editoria&Spettacolo 2010.</span>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-11491161293433178952010-12-10T16:44:00.000+01:002010-12-10T16:44:52.057+01:00DECIMO INCONTRO (3) : ACCADEMIA DEGLI ARTEFATTI/ANDREA PORCHEDDU<h1 id="watch-headline-title" style="padding-bottom: 8px;"><span class="long-title" dir="ltr" id="eow-title" style="vertical-align: top;" title="Novo Critico 2010. Decimo appuntamento, 28 novembre. Artefatti/Scarpellini"> Novo Critico 2010. Decimo appuntamento, 28 novembre. Artefatti e Attilio Scarpellini</span></h1><h1 id="watch-headline-title" style="padding-bottom: 8px;"><span class="long-title" dir="ltr" id="eow-title" style="vertical-align: top;" title="Novo Critico 2010. Decimo appuntamento, 28 novembre. Artefatti/Scarpellini"> <object height="300" width="400"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/VdIWOuK2tE0?fs=1&hl=it_IT"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/VdIWOuK2tE0?fs=1&hl=it_IT" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="400" height="300"></embed></object><br />
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<span style="font-size: small;">a cura di <a href="http://www.klpteatro.it/">klpteatro.it </a></span></span></h1>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-11931639176963366962010-12-04T17:46:00.000+01:002010-12-07T18:33:02.980+01:00LETTERA APERTA DI KATIA IPPASO<span style="color: red; font-size: large;"><b>Lettera aperta agli amici critici</b></span><br />
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<div style="text-align: justify;">Cari amici, scrivo queste righe di getto perché ho sentito che ieri sera è accaduto qualcosa. L’occasione era la presentazione del libro di Andrea Porcheddu e Roberta Ferraresi, “Questo fantasma, il critico a teatro”. Non un libro su Wikileaks. Non un instant book su Rudy nel letto di Berlusconi. No, un libro su chi scrive di teatro. Il critico di teatro, che Andrea battezza “il fantasma”. Ebbene, attorno a questo fantasma ieri si sono mosse delle energie che non possono andare trascurate. Tanto per cominciare, tra il pubblico c’erano almeno altri dieci fantasmi. Dato straordinario, per chi conosce l’inerzia, l’antagonismo e la supponenza della nostra classe critica. Non solo c’eravamo, ma abbiamo parlato tutti. Ci siamo esposti. Ci siamo sentiti meno soli. C’eravamo per il libro di Andrea e perché, in vario modo, avevamo preso parte agli incontri di Novo critico, questa “stravaganza” inventata da Elvira Frosini, che contamina la parola “critico” con un sincretismo: un uovo (quindi la fertilità) nuovo (giovane) che diventa subito esca per il lavoro dell’immaginario.</div><div style="text-align: justify;"><br />
Molti di noi si conoscono da tanti anni e hanno passato momenti difficili e spesso disarmonici. Ciascuno di noi ha lottato non soltanto per un’idea ma per tentare di farcela, per non soccombere, per non cambiare strada. In questa lotta per la sopravvivenza abbiamo perso di vista l’obiettivo. Ho sentito spesso dire che gli anni Novanta erano anni migliori rispetto ad oggi. Non è vero. Questi sono anni migliori. Perché nel frattempo tutto quello che doveva sgonfiarsi si è sgonfiato, quello che doveva cadere è caduto. Ed oggi siamo magnificamente vuoti, anemici, più umili, e bisognosi di parole nuove. <br />
Siamo in un momento di passaggio. Forse Berlusconi uscirà di scena, ma con lui non sparirà il berlusconismo. Ne può uscire ammaccato, con qualche graffiatura, con un sorriso meno smagliante, leggermente più cereo, un po’ invecchiato, ma il fantoccio del signor B. ormai è ben piantato nel nostro immaginario, perché non l’abbiamo subito ma creato, gonfiandolo a dismisura, ebbri di felicità.<br />
Nessuno ci ha impedito di fabbricarci il nostro Ubu Re, il padrone-servo dei nostri bassifondi onirici. Non ce lo ha impedito la Sinistra, che si è limitata ad alzare la bacchetta dei maestri saccenti tutte le volte che gli scolari svogliati diventati presidi (è chiaro che tutto il berlusconismo ha significato la rivincita degli ultimi della classe) si prendevano eccessive libertà. Non ce l’ha impedito l’Europa e neanche l’America né il mondo tutto, che ha sfilato col G8 all’Aquila, partecipando al più nefasto banchetto della storia italiana, pascendosi dei resti dei cittadini abruzzesi massacrati da troppi terremoti. Non ce l’ha impedito il nostro oscuro senso del pudore che è sintomo di una doppia morale ben radicata nei nostri animi. </div><div style="text-align: justify;"><br />
Perché parlo qui di Berlusconi? Perché è di questo che dobbiamo occuparci. Dobbiamo occuparci di chi ci governa, perché noi non siamo migliori, e quelli che si autorappresentano come migliori a volte lanciano dei messaggi occlusivi, monologanti, convinti di incarnare il bene. Antonio Audino parlava di “Vieni via con me”. Ne parlava con disagio, ed è proprio dal disagio che ho avvertito nelle parole di Antonio che dovrebbe nascere una nostra assunzione di responsabilità.<br />
Ma chi siamo noi? Cosa vogliono “questi fantasmi”, cosa cercano, cos’hanno da dire vent’anni dopo a quelli che vengono ora? E cosa hanno da dire i giovani critici (che magari fantasmi ancora non si sentono) a noi e agli artisti con cui sono chiamati a dialogare?<br />
Claudia Cannella chiudeva il suo discorso con una terrifica domanda: Siamo sicuri di essere migliori di quelli che ci hanno preceduto, o alla fine non desideriamo altro che sostituire i baroni della critica che ci hanno mangiato vivi (o ci siamo fatti mangiare vivi)? Dobbiamo forse aspettare la loro morte? Angosciante ipotesi, indegna di persone che usano la scrittura e il pensiero per vivere.<br />
Lo ha detto tante volte Andrea Porcheddu, con una sincerità che non era difficile leggergli nel volto: abbiamo il compito di dire qualcosa agli artisti e a quelli che verranno. Torniamo ad usare la scrittura critica senza vergogna, con competenza, con giudizio. Accanto a chi il teatro lo fa, ma non confondendoci con gli artisti, che non hanno peraltro nessuna voglia di mischiarsi a noi. Viaggiamo viaggi paralleli, interroghiamoci, non tiriamoci mai indietro.<br />
Massimo Marino ha fatto sapere che il libro gode di ottima salute. Sì, persino i libri di teatro stanno bene e qualcuno li legge persino. Mi permetterei di aggiungere che non soltanto il libro di teatro, ma anche l’essere umano sta tornando “di moda”.</div><div style="text-align: justify;"><br />
Se la videocrazia ha potuto assestarsi come modello vincente in questi ultimi vent’anni, è perché si è operata una lenta ma irreversibile trasformazione dell’immaginario.<br />
Vogliamo lasciare le cose come stanno? Non è forse venuto il momento di uscire dalla nostra miserevole nicchia per occuparci di quello che è accaduto e di quello che sta accadendo attorno a noi e dentro di noi? Non sarebbe bello contribuire a fabbricare un nuovo immaginario, presentandoci l’uno all’altro come comunità?</div><div style="text-align: justify;"><br />
Sarà importante testimoniare la nostra “presenza in vita” prima che la nostra presenza come critici. <br />
I tempi sono maturi. Se l’essere umano sta tornando di moda - dopo anni di mortificazione, di simulacri, di finzioni -, allora anche noi, soprattutto noi che ci occupiamo di corpi parole e oggetti vivi, abbiamo il dovere di misurarci con quel che resta dell’umano.<br />
Non si tratta solo di scrivere delle belle recensioni (meglio se sono belle, e basta con le involuzioni: hai ragione Claudia), quanto di “ficcarci nel cranio del mondo”.<br />
E’ un momento di cambiamento politico. Ma c’è poco da festeggiare se permettiamo che l’opposizione in Italia si faccia “solo” in tv, che la tv divori le forme del teatro e ogni possibilità di pensiero in movimento. Per quanto innovativa, la tv d’opposizione è pur sempre una grande macchina di spettacolo, con le sue regole mute, autoreferenziali, incapaci di sostenere la bellezza di un pensiero in continua rivolta, capace, al contrario, di celebrarne ad ogni nuovo passo il funerale.<br />
Se il dissenso confluisce, con tutti i suoi rami tagliati male, dentro la grande macchina di produzione delle idee che si fabbricano sempre altrove, non ci resterà che applaudire un giorno l’avvento di un nuovo Ubu Re. In caso contrario, ci ritroveremo sempre più soli e incavolati a tormentarci nell’ombra.<br />
Noi ci occupiamo di teatro. Il teatro è fatto di esseri viventi. Il teatro è pensiero in movimento. Lo dice Massimo, lo hanno ripetuto in tanti: non ci resta che pensare. E soprattutto uniamoci, dialoghiamo, non disperdiamo le energie. Non dobbiamo essere per forza d’accordo sulle idee, ma almeno stringiamoci attorno a delle idee che siano tali. Critici, scrittori, attori, registi, spettatori, tutti, usciamo allo scoperto. Come è successo l’altra sera, dove, una volta tanto, non abbiamo fatto una riunione di condominio, ma abbiamo registrato i segnali di bellezza ma anche quelli di allarme. Non illudiamoci che, siccome l’abbiamo sfangata una volta due volte infinte volte, la sfangheremo ancora. Il pericolo è reale. E perdonatemi questa citazione da Pasolini: “Lo sanno tutti che io le mie esperienze le pago di persona. Forse sono io che sbaglio. Ma io continuo a dire che siamo tutti in pericolo”. <br />
Io la penso come Simone Nebbia: “Scrivere è conoscere”. Il resto non dovrebbe importarci. </div><br />
<b>Katia Ippaso <br />
Roma, 4 dicembre 2010</b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-3491729722524775907.post-82079005111645494322010-12-04T16:13:00.000+01:002010-12-04T16:13:21.735+01:00DECIMO INCONTRO (1) : ACCADEMIA DEGLI ARTEFATTI / ANDREA PORCHEDDU<h1 id="watch-headline-title" style="padding-bottom: 8px;"><span class="" dir="ltr" id="eow-title" style="vertical-align: top;" title="Novo Critico 2010. Artefatti per "one day"">Novo Critico 2010. Artefatti per "one day" </span></h1><span style="font-size: large;"><b>1-</b></span><br />
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<object height="300" width="400"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/m2ZmsBvWAus?fs=1&hl=it_IT"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/m2ZmsBvWAus?fs=1&hl=it_IT" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="400" height="300"></embed></object><br />
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<b>a cura di <a href="http://klpteatro.it/">klpteatro.it</a></b>Elvira Frosinihttp://www.blogger.com/profile/07680378006149799144noreply@blogger.com0